elsi del rio

Comienza Temporada 2012!

2012-01-17T08:49:00.001-03:00

Desde HOY 17 de Enero de 2012

De martes a viernes de 14 a 20hs.

Sábados de 11 a 15hs.

Los esperamos en Humboldt 1510 Palermo Hollywood

4899 0171

info@elsidelrio.com.ar

Estamos de vacaciones!

2012-01-05T18:55:00.002-03:00

Estamos de vacaciones!
Volvemos el 17 de Enero de 2012, a las 14hs.
Los esperamos en Humboldt 1510
Palermo Hollywood, Buenos Aires

Claudio RONCOLI en ELSI DEL RIO

2012-01-05T18:25:00.011-03:00

LIFE
Claudio RONCOLI en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo

Claudio Roncoli presenta pinturas de gran formato y una instalación lumínica. Se inspira en imágenes que formaron parte de la cultura popular durante los años 50, 60 y 70 que luego el artista resignifica. En sus últimas creaciones, incorpora elementos de la publicidad, historieta, diseño gráfico y collage, entrelazándolas con recursos como la digitalización de imágenes o la re-fotografía. | Valiéndose de una técnica particular y sin abandonar su humor irónico y mordaz, por medio de lo que denomina el "equilibrio constante de la vida", la yuxtaposición de imágenes y el uso de colores brillantes traslada al espectador a un "mundo feliz". | Claudio Roncoli nos muestra con sus obras lo que pasa "allí afuera" sin dejar de lado guiños de nuestra propia sociedad.

Claudio RONCOLI

Buenos Aires, 1971

Profesor de Dibujo y Pintura graduado de la Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón" (1995). Según su propia definición es - ante todo - un intervencionista. Realizó video-clips y video-documentales. Seleccionado en varios premios nacionales e internacionales, realizó numerosas exposiciones grupales e individuales a nivel local e internacional, Buenos Aires Photo, ArteBA, ArtBO y distintos Centros Culturales. Hermes, Toyota, Boomerang TV, Mini Cooper y LEVI'S confiaron en la mirada de Roncoli para presentar diversos proyectos.

SCOPE Miami 2011

2012-01-05T18:07:00.007-03:00

En Diciembre de 2011 estuvimos en SCOPE MIAMI 2011, con varias galerías de arte contemporáneo locales, en el Section Argentina.

Liners en VIVO en ELSI

2011-10-01T09:45:00.004-03:00

LINIERS en ELSI DEL RIO

2011-09-14T20:11:00.002-03:00

LINIERS EN VIVO | pintura
28 DE SEPTIEMBRE | 19:00 hs.

ELSI DEL RIO arte contemporáneo
Humboldt 1510 | Palermo Hollywood | Buenos Aires

A manera de performance, Liniers pinta, baila e interviene en los recitales de Kevin Johansen + The Nada. El resultado: Grandes lienzos donde aparecen personajes de los temas, integrantes de la banda, letras de las canciones o simples frases sugeridas por el momento.

Edgardo MADANES: Gran Premio Escultura Salón Nacional de Artes Visuales

2011-09-14T20:08:00.000-03:00

edgardo MADANES | 21 DE SEPTIEMBRE | Palais de Glace
Recibe el Gran Premio Adquisición en la categoría escultura
100º Salón Nacional de Artes Visuales.

Edgardo MADANES en ELSI DEL RIO

2011-09-14T19:56:00.005-03:00

edgardo MADANES

CAMINANTE | escultura

Opening: martes 23 de agosto de 2011 | 19hs a 22hs

Humboldt 1510 | Palermo Hollywood | Buenos Aires

Cierre: martes 27 de septiembre de 2011

CAMINANTE

Camino porque es un modo lento de unir dos puntos e intento disfrutar del tiempo y del trayecto. Ese recorrido me permite pensar y utilizar mi movimiento para ir progresivamente explorando y transformando mis ideas.

Muchos artistas hacen su obra del mismo modo que viven, yo aprendo a vivir cuando hago mi obra. Mis esculturas son caminos que se construyen lentamente. Mi modo de trabajar me enseña que de un extremo al otro de un proceso, hay todo un mundo por develar.

Hoy mis esculturas son gráficos tridimensionales que revelan y dan testimonio de las relaciones: pensamiento-acción, proceso-objetivo, espacio-tiempo, interior-exterior, vida-arte.

Edgardo Madanes, 2011

Argentina, presente en la Fería Internacional LIMA PHOTO 2011

2011-08-06T15:22:00.006-03:00

14 de Julio: Opening de Nico SARA

2011-07-12T12:34:00.001-03:00

NICO SARA en ELSI DEL RIO

2011-07-11T11:59:00.002-03:00

nico SARA | PINTURAS 2.0
Opening: jueves 14 de julio de 2011 | 19 a 22 hs.
¡Festejando los primeros 11 años de ELSI DEL RIO!

Bello como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección (Lautréamont)

Nico Sara pinta y eso ya no es novedad. "Pinturas 2.0" es su cuarta muestra en ELSI DEL RIO y si nos detenemos y miramos hacia atrás, encontramos un camino recorrido dentro de sus propios límites y espacios, pero con un acercamiento a la técnica todavía único e innovador. Su Trade Mark consta de una representación de imágenes fusionadas en fondos estridentes y con su realización pone de manifiesto el oficio del pintor a través de una estética tecnológica y digital. "Pinturas 2.0" nos trae obras nuevas, reloaded.

Como partículas en un acelerador, sus ya conocidos personajes y elementos colisionan y dan lugar a un universo donde lo material y lo inmaterial existen, donde los ya conocidos fondos negros de Nico Sara ahora tienen horizonte y donde un perro no tiene cabeza pero sí motor.

Nico Sara coquetea con las corrientes pop y surrealista, y al mismo tiempo les da la espalda y sigue llenando cada rincón de su mundo imaginario.

Nico Sara | Rafaela, 1974

Artista autodidacta. Con sus pinturas juega en el límite entre la artesanía y la tecnología. Mostró individualmente su obra en el Centro Cultural Borges (Buenos Aires), Museo Municipal de Bellas Artes "Dr. Urbano Poggi" (Rafaela), Museo Provincial de Bellas Artes "Rosa Galisteo de Rodríguez" (Santa fe), la galería Arhus (Rafaela). Y en forma colectiva en el Fondo Nacional de las Artes, Museo Municipal Castagnino-Macro (Rosario), Museo Municipal de Bellas Artes (Santa Fe), Fundación ITAÚ y arteBA entre muchos otros a lo largo y ancho del país. Obtuvo numerosos premios entre los que se destacanel Primer Premio Fundación Williams de Arte Joven, Premio Bienal Asociación Argentina de Galerías de Arte, LXIII Salón Nacional de Rosario, LXXXII y LXXXIII Salón Anual Nacional de Santa Fe. Es artista de la galería Elsi del Río desde el año 2003 y realiza actualmente su cuarta muestra individual.

Materialismo puro

2011-06-10T14:23:00.006-03:00

Martín Calcagno en Elsi del Río
por M.S.Dansey | SAUNA | Junio 2011 | Año 1 #10

La discusión entre idealistas y materialistas es seguramente una de las polémicas filosóficas más antiguas y que sin embargo no pierde vigencia. Ni siquiera en el mundo del arte conceptual que, del mingitorio a esta parte, ha venido despojándose de todo rastro corpóreo. Será por ese desbalance a favor del concepto, de lo inmaterial, que la muestra de Martín Calcagno en Elsi del Río se destaca entre otras.

“Sueños de un joven enamorado” reúne una docena de esculturas en madera, bronce, oro y cristal que evocan el fantástico idilio de los enamorados. No hay humanos en escena, son animales los que protagonizan las fabulas que se desprenden de cada una de las piezas. Asimismo, si afilamos la mirada, los verdaderos protagonistas de la muestra son los materiales, trabajados de tal manera que destacan sus cualidades originales. Los troncos de eucaliptus y las bases de cedro tienen un pulido profundo que deja su esencia a flor de piel y que se acentúa aún más cuando el artista los emplaza sobre soportes de madera laqueada –negada- que evidencia el tratamiento de las otras, las que interpretan el rol de sí mismas. Tampoco es casual que los espejos tengan sus bordes biselados y que los cristales hayan sido facetados nada menos que por Swarovski, garantía internacional si de brillo se trata. Igualmente las figuras de bronce recibieron una pátina ácida y, luego, un lustre de cera de color, que intensifican esa iridiscencia propia de la aleación de cobre y estaño.

Cada elemento lleva implícito un mensaje que algunos artistas han sabido explotar con maestría. Pienso en los en los povera, en Anish Kapoor, en Eduardo Chillida y en Héctor Oliveira, pienso en Juan Batalla e incluso en quienes trabajan con la luz como Karina Peisajovich, para definir un conjunto caprichoso y acrónico de artistas que apelan al mandato ontológico de los elementos para provocar un encuentro físico, pero también psicológico. ¿Acaso es casual que las alianzas de compromiso, esas que Calcagno utiliza en alguna de sus obras, sean tradicionalmente de oro? ¿Quién podría tener dudas acerca del valor semántico del metal de los dioses?

Algo de esto maneja el artista cuando habla del amor y pone a rodar materiales asociados a la nobleza, a la perpetuidad y al lujo. Se genera incluso la duda de si ellos fueron puestos al servicio del relato como su consecuencia lógica; o si fue al revés, si fue el relato un recurso trivial para reseñar la carga emotiva de la materia. ¿El rubí está ilustrando la pasión ardorosa? ¿O viceversa?

Todo va mucho más allá cuando los distintos elementos se yuxtaponen. El oro compite y le gana en destellos al bronce, que sin embargo se ve más fuerte y resistente. La esfera de vidrio azul aparece todavía mas fría y perfecta sobre la mansa madera clara. Cada obra, entonces, reúne una serie de ingredientes que generan un campo de tensión poética peculiar e interesante.

Sin embargo, más allá de estas cuestiones que podrían considerarse de primer orden, cada una de las obras, y todas juntas, ponen a rodar un relato intencionado. La figuración es claramente ilustrativa y se apoya en la literalidad de la metáfora. Como los amantes, los ratones ratonean, las palomas picotean y los camaleones trepan atrás de ese fetiche tallado en forma de diamante que algunos llaman Amor, y otros, más materialistas, vaya uno a saber cómo. La problemática surge -o mejor dicho, no surge- a la hora del análisis simbólico. Más allá de la ironía, que está presente y es siempre bienvenida, en la muestra no se encuentran mayores brillos que los que impone la anécdota del cuento de hadas. La cuestión matérica, en cambio, sí da un paso más allá, fuera de la sala. Los sueños de este joven enamorado tienen una instalación satélite en el Centro Cultural de España en Buenos Aires. Allí, en la vidriera del local de la calle Florida al 900, Calcagno monta una de sus esculturas, un camaleón con los ojos de cristal trepando a un tronco desde donde cuelga un corazón facetado. El conjunto a su vez está apoyado sobre una serie de láminas de papel crudo que se despliegan sobre el espacio aéreo del escaparate y establecen un diálogo con el tronco con el que comparten color, textura y pulpa. Esta operación, que habla del devenir matérico, de los estados de la sustancia, de sus edades, consituye, desde mi punto de vista, una apuesta mucho más interesante que todo lo figurado. A decir verdad, el amor es más cuestión de esencia que de forma.

ANZIZAR en Cuisine&Vins Junio 2011

2011-06-09T12:10:00.004-03:00

Proyecto criollo
El artista José Luis Anzizar hizo de la empanada argentina un objeto de arte
Por: Flavia Fernández | Fotografías: Mauro Roll
Cuando el hub aeroportuario es un estímulo sin tregua
Por: Dalila Puzzovio

In love with love, by Carla Hams (Juanele)

2011-06-09T11:43:00.000-03:00

In love with love
by Carla Harms
JUANELE AR

Monday night’s chilly temperatures tempted me to just stay in instead of heading out for another opening. But I am so glad I didn’t. What a pleasure to start out this week’s busy schedule of openings with Martín Calcagno’s Sueños de un joven enamorado (Dreams of a young man in love) at Elsi del Rio. A sculpture exhibition that utilizes bronze, eucalyptus wood, glass, and Swarovski crystals, Calcagno not only demonstrates his skill as a sculptor, but also his ability to transmit feelings and ideas through various materials.

Chatting with the artist, who arrived wearing a spectacular floral silk scarf, I couldn’t help noticing how refreshingly humble he was as we talked about the show and what inspired it. I asked him if the title referred to himself as the young person in love, and with a wide smile, he told me yes. But he quickly clarified that he wasn’t just love with one particular person — a woman, or even many women — but in love with many things. In love with café con leche, he said, or in love with a moment. On a day when the media had been flooded with news of Osama bin Laden’s death and subsequent discussions of hate, it was nice to talk with Calcagno about animals and beauty, and love.

Walking around the exhibition, I found myself drawn not only to the beautiful bronze animal sculptures, but how the artist had installed them with pieces of wood crafted into smooth trees or branches, or on shelves amidst sparkling gems. I loved the adorable mice, especially the one featured on the show invite, which depicted a small bronze mouse balancing a ruby red gem on its forehead, or the bronze armadillo perched on top of a tall tree. Different natural elements, playing against each other, radiated from a strange mixture of materials. Admiring a bird’s pecking at clear crystals that looked like diamonds or a turtle with a red heart-shaped gem in its mouth, I was curious about the use of crystals and the notion of eating them. Calcagno explained that the show uses a lot of symbolism. Women are like jewels and eating the jewels is a way of expressing how he wants to consume love.

There are other interesting sculptures to see at the show, like the spherical glass birdhouses inspired by the South American bird — the Hornero, after horno, or oven — because its spherical, mud nests resemble clay ovens. Calcagno cleverly titled one of the sculptures, Elegant al fresco.

Elsi del Rio owner Fernando Entin told me about another exhibition of Calcagno’s works from the same series opening Wednesday night at the CCEBA, and added that Calgano is one of the artists the gallery will be featuring at arteBA 2011. I have to say, I loved the show. And I guess that’s what the artist was hoping for. He struck me as someone in love with being in love.

Sueños de un joven enamorado | Through June 30
Elsi del Rio Arte Contemporáneo
Humboldt 1510, Buenos Aires, Argentina
Tuesday – Friday, 2 – 8 PM | Saturdays, 11 AM – 3 PM

Escaparates, por mdsPHOTO

2011-05-12T01:11:00.000-03:00

ELSI DEL RIO en arteBA 2011

2011-05-07T15:40:00.002-03:00

Martin Calcagno en CCEBA y ELSI DEL RIO

2011-05-01T19:46:00.007-03:00

ELSI DEL RIO | Preparando arteBA2011

2011-05-01T16:30:00.004-03:00

ELSI DEL RIO se prepara para arteBA2011.
Compartimos nuestro video en You Tube.

Martin CALCAGNO en ELSI DEL RIO

2011-05-01T16:22:00.003-03:00

Sueños de un joven enamorado | Calcagno

2011-05-01T16:09:00.006-03:00

martín CALCAGNO
SUEÑOS DE UN JOVEN ENAMORADO escultura

ELSI DEL RIO muestra individual
Opening: lunes 2 de mayo de 2011 19 a 22 hs
Humboldt 1510 Palermo Hollywood Buenos Aires
Cierre: 30 de junio de 2011

CCEBA intervención de la vidriera
Opening: miércoles 4 de mayo de 2011 19 a 22hs
Florida 943 Retiro Buenos Aires
Cierre: 17 de junio de 2011

MARTÍN CALCAGNO
Sueños de un joven enamorado
Escultura
Martín Calcagno juega y construye un mundo onírico digno únicamente de un joven enamorado. En este mundo conviven, en armonía, hombres y animales en un entorno en que la naturaleza recupera su belleza y su sabiduría.
Cómo escultor, Calcagno elige la madera, el bronce y el cristal. Como creador, ensambla sueños de amor y de vida. Sueños orgánicos.

Tortugas multicolor, lauchas coronadas y nidos de hornero en vidrio componen este mundo bello y momentáneo.

"Son los caprichos de la mente al servicio del ser. Si bien no recuerdo la primera vez que materialicé mis caprichos, sé que ahora no puedo dejar de realizarlos. Y yo, sin lugar a dudas, era uno de ellos", admite Martín Calcagno.

Martín Calcagno Buenos Aires, 1976
Egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón" con especialidad en Escultura. En 2005 realizó un viaje de investigación a Japón para conectarse con la alta tecnología y el arte joven nipón. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Selección de muestras realizadas: Casa Imperial, Centro Cultural San Martin, Buenos Aires, 2009; La delicada fragancia del amor en los bosques de Cañuelas, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2009; Meditación Experimental, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2005; Palais de Glace, Buenos Aires, 2001. Su primera muestra en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo fue "La delicada fragancia del amor en los bosques de Cañuelas", 2009.

MARTIN CALCAGNO en ELSI DEL RIO

2011-05-01T16:07:00.002-03:00

Los paisajes de la imaginación, por Laura Isola

2011-05-01T15:55:00.004-03:00

Recursos. La artificiosidad del color, las formas espiraladas y envolventes, las chorreaduras y abstracciones: detalles que hablan de la relevancia de la fuerza de la naturaleza en el trabajo de Sturgeon.

El artista argentino (Buenos Aires, 1952), que pasó por los talleres de maestros como Carlos Gorriarena y Aníbal Carreño, propone en su nueva muestra un diálogo con la poesía del poeta inglés John Keats. Pero en lugar de sumergirse en la agonía o en la oscuridad (el recurso más a mano) lleva su trabajo a una vitalidad incómoda. Las obras pueden verse hasta el 28 de abril en la galería Elsi del Río.
Por Laura Isola Diario Perfil 27 de Marzo de 2011

Veinte años después de la muerte en Roma en 1821 de John Keats, el magnífico poeta del romanticismo inglés Joseph Serven realizó un cuadro que se llama Keats escuchando a un ruiseñor en Hampstead Heath. En esa obra del pintor y amigo del autor de Oda a una urna griega se ve el retrato de cuerpo entero de Keats que se imprime sobre un paisaje verde y abigarrado que lo eleva en su contemplación. Lo que no está, pero se escucha entre las ramas, es el ruiseñor que interrumpe la lectura del poeta.

Ese pájaro, a su vez, remite a la propia poesía del autor. En 1819, ya enfermo de tuberculosis, escribió Oda a un ruiseñor, uno de sus mejores y más conocidos poemas. En esos versos aparece un yo lírico, melancólico y moribundo, que se compara con la potencia de la naturaleza, exhibiendo la fugacidad de la vida. Tanto el cuadro como la oda proyectan una imagen oscura y triste de este gran autor que descansa en el “cementerio de los poetas”, tal como se conoce al cementerio protestante de Roma, bajo una lápida con un epitafio que reza: “Aquí yace alguien cuyo nombre fue escrito en el agua”.

Entonces, cuando vemos Bad Keats, la muestra que Richard Sturgeon inauguró en Elsi del Río, no sorprende la relación entre un pintor y ese poeta. Por supuesto que los modos de inspiración son otros, así como el tiempo y las circunstancias. En el caso de Sturgeon, trabaja con una paleta de tonos claros y brillantes que van enlazando las figuras orgánicas, al tiempo que conjuran el tono lúgubre del amigo y contemporáneo de Lord Byron y Shelley. Transformado por el poeta romántico no puede sino dejarse influenciar por la naturaleza, aunque por su arte ha pasado todo el siglo XX, incluida una buena dosis de psicodelia.

Es de esa manera que Sturgeon resignifica la figura de Keats. Ya no es el vate agónico de los versos “Me duele el corazón y un pesado letargo/aflige mis sentidos tal si hubiera bebido/cicuta o apurado un opiato hace solo/un instante y me hubiera sumido en Leteo”.

Para este artista plástico que nació en 1952 en Buenos Aires, Keats es un “chico malo”, o bad kid en el juego que la fonética propicia, y no tanto un moribundo incomprendido que quiere beber las aguas de uno de los ríos de Hades, como en su propia existencia. La referencia a la muerte o el adormecimiento por el opio se contrapone con la vitalidad que tiene el paisaje como reino de la Belleza en esta misma oda. Para el artista argentino, la Madre Natura cumple otro papel. Nada tranquilizador hay en las grandes telas de Sturgeon. Más bien, sus pinturas inquietan y movilizan esa visión más clásica de una naturaleza complementaria con el artista.

La artificiosidad del color, las formas espiraladas y envolventes, el recurso de la chorreadura, la abstracción y la pintura en carne viva hablan de otro modo de transgresión pero sin anularla, en absoluto. Son paisajes mentales, producto de una imaginación vasta que se deja llevar por el impulso creativo. Hay un ritmo más eléctrico y punzante en el devenir de las figuras de este plástico alumno de Gorriarena más que los trinos del ruiseñor que aquietan el alma compungida del joven inglés del siglo XIX. Igualmente hay música. Que como escribió alguna vez Keats: “Las melodías que pueden escucharse son dulces, pero aquellas que no pueden escucharse lo son más”.

Bad Keats | Richard Sturgeon | Pintura

2011-05-01T15:40:00.004-03:00

richard STURGEON BAD KEATS pintura
Opening: lunes 14 de marzo de 2011

No encontramos en la obra de Richard Sturgeon un principio o un fin. La histeria rítmica encierra en su interior un relato armónico y surrealista a la vez. Inspirado en el lenguaje exuberante e imaginativo del poeta inglés John Keats encontramos en esta nueva serie de Sturgeon una fusión íntima entre pintura y poesía.

Entre paisajes fantásticos, y lugares inconcientes, donde formas y colores cobran vida, cada pincelada vibra y deja escapar una palabra o estrofa de modo impulsivo. Perderse en sus grandes telas y abrir los sentidos parece ser la única forma de apreciar la pintura de Sturgeon en su totalidad.

Richard Sturgeon propone en sus pinturas una estrategia de niño malo -bad kid-, cuasi expresionista, retaceando reglas y métodos para observar el placer ofrecido. Una obra que lucha por sí misma.

Richard Sturgeon Buenos Aires
Estudio en los talleres de Anibal Carreño y Carlos Gorriarena y también asistió a la Academia Americana de Paris Francia. Muestra su obra desde 1986 en muestras individuales y colectivas en galerías y centros culturales. En 1995 tuvo una muestra en el Museo de Arte Moderno y en el 2000 se organizó una muestra antológica en el Centro Cultural Recoleta. Participó en múltiples ediciones de arteBA. Ganó más de 10 premios, entre ellos el Premio Colección Costantini, el Fundación Banco Ciudad y Premio OSDE de Pintura. Actualmente forma parte de Elsi del Rio Arte Contemporáneo.

RICHARD STURGEON en ELSI DEL RIO

2011-05-01T15:38:00.002-03:00

Naturaleza viva, por Cristina Civale

2011-02-03T12:19:00.004-03:00

Naturaleza viva, por Cristina Civale
de su blog: Civilización y Barbarie
Jueves 03 de Febrero de 2011

Naturaleza viva
Dice Fernando Entín, director de la Galería Elsi del Río que el lunes abre una de las muestras más interesantes del verano para hacernos reflexionar sobre él y nuestro ataque de atacar la naturaleza en los meses estivos:
“Pocas horas libres bastan para que los humanos corramos a reunirnos con la naturaleza, ese universo físico que no incluye objetos de invención humana. Muchos – en plan masivamente gozoso – se desploman bajo el sol, sin más propósito que “tomarlo”. Muy pocos, con rigor científico, como el naturalista Berlinés Alejandro de Humboldt, recorren leguas y kilómetros para narrarla con la mayor fidelidad posible.
Mientras que Di Pietro, Guallar y Llacay, lo hacen en plan re-constructivo. Los tres artistas, cada uno a su manera, reconstruyen su vínculo conector con natura”.

Patricia Di Pietro, recorre en la serie “Naturaleza Madre” el camino inverso de la “naturaleza muerta” (esos objetos inanimados arrancados de su contexto natural). Parte de formas del reino vegetal, muertas hace tiempo en las páginas de un libro viejo, para construir una metáfora sobre la vida, la reproducción, la sexualidad femenina, el hijo que nace.

María Guallar, recrea – en una acromática proliferación rítmica – las luces y sombras de una floración obsesiva y barroca, que desborda e invade el espacio, cuestionando que fue primero: ¿la esfera compacta de flores que estalló caótica o las miles de flores en busca de una unidad? Quizás sean las agujas realizadas en madera lo que intenta unir, artificialmente, lo que la naturaleza ha decidido liberar.

Guillermo Llacay, acude a un objeto “no natural”, la silla, para volver a dar memoria a un estado natural de recuerdos e imágenes. No se trata ya de describir el entorno, sino lo que se recuerda de él, y de sus elementos preexistentes.

Natura conecta, en un espacio cultural, los esbozos que tres artistas contemporáneos realizan sobre lo natural. Que esta recreación se realice en la calle Humboldt es mera coincidencia.
A partir del lunes en Humboldt 1510

Cristina Civale, clase 1960, es escritora y periodista. En 2006 regresó a Buenos Aires, donde ahora vive y trabaja, luego de un periplo de 7 años por Madrid, Milán, Barcelona y Génova. Ha publicado recientemente Crónicas desde la frontera, viajes al mundo trans. (Marea, 2008). Además escribió: Adiós América (nouvelles, Emecé, 2005); Niños, lejos de Disneylandia (investigación, Planeta, 2006); los libros de cuentos Chica fácil (Espasa Calpa, 1995), y Perra virtual (Seix Barral, 1998).

Trabaja como periodista desde 1984. Participó de las redacciones de El Periodista, Gente, Diario Perfil, Página 12, tres puntos, Elle -también en sus versiones de España e Italia-, entre otras. Escribió para El País de España y para Il Manifesto de Italia. Fue co-creadora de la mítica serie de televisión Desde adentro. En Clarín.com comenzó una columna semanal sobre arte contemporáneo internacional que ahora continúa en este blog.

Dirige el site TrovarelAmerica.org, que centra sus notas en la cultura migrante y creó el sello Industria Argentina, con el que realizó el primer quién es quién de las artes visuales contemporáneas: Industria argentina arte contemporáneo en construcción. Además, coordina desde 2008 el Ciclo Conversaciones con creadores, donde entrevista cada mes a creadores de la cultura contemporánea.

natura: DI PIETRO, GUALLAR, LLACAY

2011-01-31T08:10:00.007-03:00

DI PIETRO GUALLAR LLACAY natura

pintura escultura
Pocas horas libres bastan para que los humanos corramos a reunirnos con la naturaleza, con natura, ese universo físico que no incluye objetos de invención humana. Muchos - en plan masivamente gozoso - se desploman bajo el sol, sin más propósito que "tomarlo". Muy pocos, con rigor científico, como el naturalista Berlinés Alejandro de Humboldt, recorren leguas y kilómetros para narrarla con la mayor fidelidad posible.
Mientras que Di Pietro, Guallar y Llacay, lo hacen en plan re-constructivo. Los tres artistas, cada uno a su manera, reconstruyen su vínculo conector con natura.

Patricia Di Pietro, recorre en la serie "Naturaleza Madre" el camino inverso de la "naturaleza muerta" (esos objetos inanimados arrancados de su contexto natural). Parte de formas del reino vegetal, muertas hace tiempo en las páginas de un libro viejo, para construir una metáfora sobre la vida, la reproducción, la sexualidad femenina, el hijo que nace.

María Guallar, recrea - en una acromática proliferación rítmica - las luces y sombras de una floración obsesiva y barroca, que desborda e invade el espacio, cuestionando que fue primero: ¿la esfera compacta de flores que estalló caótica o las miles de flores en busca de una unidad? Quizás sean las agujas realizadas en madera lo que intenta unir, artificialmente, lo que la naturaleza ha decidido liberar.

Guillermo Llacay, acude a un objeto "no natural", la silla, para volver a dar memoria a un estado natural de recuerdos e imágenes. No se trata ya de describir el entorno, sino lo que se recuerda de él, y de sus elementos preexistentes.

Natura conecta, en un espacio cultural, los esbozos que tres artistas contemporáneos realizan sobre lo natural. Que esta recreación se realice en la calle Humboldt es mera coincidencia.

PATRICIA DI PIETRO Pintura Argentina
En 2007 presentó "Bolero" (libro y muestra individual) en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo.

MARIA GUALLAR Escultura Argentina
Participó en muestras individuales y colectivas en: Museo Casa de Yrurtia y Museo Larreta, Buenos Aires (2005). Bienal Nacional de Escultores, Salta (2008). Museo Municipal de Bellas Artes, Luján (2009). Bienal de Arquitectura CC Recoleta, Buenos Aires (2009). Centro Cultural Chacra de los Remedios, Buenos Aires (2010).

GUILLERMO LLACAY Pintura Argentino
Arquitecto, con formación plástica en el taller de Viviana Zargón. Realizó una muestra individual en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo en 2008.

2011!

2010-12-28T16:55:00.004-03:00

llenate de amor
soñá despierto
viví con arte
feliz dos mil once!!!

Obra de Genoveva Fernández

Eloisa Ballivian en ELSI DEL RIO

2010-10-24T22:23:00.003-03:00

ELOISA BALLIVIAN
MI ESPIRITU SE FUE pintura
Opening: lunes 1 de noviembre de 2010 19 a 22 hs.
Humboldt 1510 Palermo Hollywood Buenos Aires

El espíritu se fue, pero «nada se pierde, todo se transforma». Y justamente eso es lo que se trasluce en la nueva serie de Eloisa Ballivián: una transformación, un camino hacia el interior. En cada obra el tiempo se detiene y da lugar al silencio, al vacío.
Por sus figuras, sus fondos y la inquietante-quietud que predomina en cada obra, la atmósfera de éstas remite al sumi-e japonés. Sin embargo, sus colores brillantes se contraponen a la melancolía de los protagonistas de cada cuadro e impactan al espectador. Un aire de aquel "Desayuno en la hierba" de fines del siglo XIX, en que el japonismo y la pintura congeniaron en el pincel de Manet, se reflejan en esta nueva serie.
Eloísa domestica cada retratado como El Principito al zorro, y cada espectador no puede hacer más que dejarse domesticar por esas grandes mujeres, niños y pájaros que intimidan con su tamaño, atraen con sus colores y conmueven con sus miradas.

Eloisa Ballivian Buenos Aires
Diseñadora gráfica (Universidad de Buenos Aires). Entre 1994 y 2007 fue diseñadora gráfica, fotógrafa y directora de arte para diferentes revistas y productoras en Buenos Aires y New York. Desde entonces se dedica por completo a su pintura. Expuso en Espacio Buenos Aires y Fundación PROA (2000), Wasser (2001), Comunidad de Madrid-Madrid- (2002), Nova 1.1 (2003), Comunidad de Madrid -Madrid- (2004), Braga Menéndez Arte Contemporáneo (2004-2007), arteBA (2005) y Miau Miau (2009). Esta es su primera muestra en Elsi del Rio Arte Contemporáneo (2010).

Paisaje y Memoria, por Alina Tortosa

2010-10-24T22:07:00.003-03:00

Paisaje y Memoria Muestra colectiva
Centro Cultural Recoleta

Inaugura: 26 de Octubre 19hs.

Curadora: Alina Tortosa

Sara expone pinturas en el local Ahrus arte

2010-09-29T18:07:00.003-03:00

Diario La Opinión
Rafaela, Provincia de Santa Fé
Martes 28 de Setiembre de 2010

Sara expone pinturas en el local Ahrus arte
Este sábado a las 20 se inaugura la muestra del artista rafaelino.
Estará presente Fernando Entin, director Elsi del Rio Arte Contemporáneo.

El sábado 2 de octubre, a las 20, se inaugura en Ahrus arte -Belgrano 174, Rafaela- una exposición de pinturas de Nico Sara, el representante rafaelino de mayor trascendencia en el ámbito del arte nacional. Podrá visitarse de lunes a viernes de 16 a 20 y los sábados de 10 a 12 y de 17 a 19.

Desde hace varios años es artista exclusivo de la prestigiosa Galería de Arte Contemporáneo Elsi del Río con quien participa en las ediciones de ArteBa. Su director, Fernando Entin, estará presente en la inauguración, acompañando a Nico en esta nueva exposición.

En el prólogo del catálogo Entin expresa:
"Me gustan la niñez, el juego, la magia infantil. La rapidez con la que los niños crean universos propios, salidos de toda regla. Me gusta cómo se asocian libremente las ideas en el mundo de los niños, con el único propósito de inventar y crear, pero tan seriamente hecho, como en el más serio de los trabajos. Quizás sea la capacidad de crear mundos lo que me atrajo de Nico Sara, cuando nos presentaron".

"Testigo de su crecimiento, piloto de su trayectoria, Nico Sara no ha cambiado el rumbo. Continúa inspirándose en sus objetos cercanos, en el mundo inmediato que lo rodea. Pero como un niño que ve una cosa y sueña con otra, Nico rápidamente cambia el significado de su presa. Cuerpos sin rostros, perros con alas, autos con bocas, nueces con llamas, corazones con ojos, tazas de café con muchas asas. Todo es posible en su mundo".

"Sus objetos, sin embargo, no interactúan con el entorno, simplemente porque este no existe. Los fondos negros o de intensos colores, brillantes u opacos, son el entorno en el que se apoyan sus criaturas, siempre de a una. En ellos flotan, respiran o sobreviven, a veces protagonistas sin gravedad. Las imágenes de este rafaelino pasan del ojo al software y por medio del ojo y la precisión de la mano llegan a la tela, rompiendo el límite entre la artesanía y la tecnología. Los que conocemos a Nico sabemos que no le gusta pensar en lo que hace.
Simplemente le gusta hacerlo, sumergido en la calma silenciosa de sus fondos, casi en un trance".

"Como un gran álbum de figuritas, el imaginario de Sara crece cada temporada, y es en ese entorno en el que Nico disfraza, corta, agrega o saca, para crear la próxima figurita difícil, esa que no nos permite abandonar la colección. Pequeños juguetes de culto, para un niño nada ingenuo".

Sara nació en Rafaela el 11 de junio de 1974. Artista autodidacta. Sus inicios se dan en la música y en dibujos de minuciosa perfección. El 1° premio obtenido en 1998 en el Salón Municipal de Rafaela marcó el inicio de la sistematización de su labor como artista visual. A fines de la década de 1990 se produce su encuentro con la pintura, técnica que comienza a desarrollar a partir de sus dibujos y de la computadora, que lo lleva a experimentar con programas de diseño y procesadores de imágenes, logrando esa conjunción que marca con personalidad propia su obra, jugando en el límite entre la artesanía y la tecnología, con fuerte concepción conceptual, aunque como artista minimice este hecho.

En 2002 realizó un viaje a los Estados Unidos que inspiró una serie de obras que luego se convertirían en su primera muestra individual en Buenos Aires.
Desde 2003 es artista exclusivo de la prestigiosa galería Elsi del Río Arte Contemporáneo (Buenos Aires), donde realiza exposiciones individuales y participa en las sucesivas ediciones de ArteBA. Ha expuesto en forma individual, además, en el Centro Cultural Borges (Buenos Aires), Museo Municipal de Bellas Artes "Dr. Urbano Poggi" (Rafaela) y en forma colectiva, como artista invitado, en el Fondo Nacional de las Artes, Museo Municipal Castagnino-Macro (Rosario), Museo Municipal de Bellas Artes (Santa Fe), Museo Provincial de Bellas Artes "Rosa Galisteo de Rodríguez" (Santa Fe) y en diversos centros culturales y museos de Argentina. En 2002 expuso en forma individual en John Alexander Gallery (Tucson, AZ, Estados Unidos).
Ha obtenido importantes premios en el ámbito nacional entre los que se pueden destacar: Premio Fundación Williams de Arte Joven, Centro Cultural Borges (Buenos Aires, 2008) Primer premio, Premio Adquisición Red Sport, Salón Nacional Museo Rosa Galisteo de Rodríguez (Santa Fe, 2010), Premio Bienal Asociación Argentina de Galerías de Arte, Expotrastiendas (Bs. As., 2009) Primer Premio, Cuarto Premio Adquisición Fondo Nacional de Las Artes, LXIII Salón Nacional de Rosario (2009), Premio Asociación de Artistas Plásticos Santafesinos, LXXXIII Salón Anual Nacional de Santa Fe, Museo "Rosa Galisteo de Rodríguez". Seleccionado como Aspirante a Beca (2006), Premio Fernando Espino - Beatriz Martín y Mención del Jurado, LXXXII Salón Anual Nacional de Santa Fe, Museo "Rosa Galisteo de Rodríguez". Seleccionado como Aspirante a Beca (2005), 7° Salón Anual de Artes Visuales "Municipalidad de Rafaela" Primer premio (2002).

Ha obtenido también las siguientes becas: Beca Fundación Nuevo Banco de Santa Fe para producción de obra (2008), Beca Fundación Nuevo Banco de Santa Fe para realizar clínica con Daniel García (2007), Encuentros de Análisis y Producción de obra de Fundación Antorchas (Santa Fe - Entre Ríos) con Sergio Bazán, María José Herrera, Tulio de Sagastizábal y Carlota Beltrame (2005).

GALAAC, Asociación de Galerias que propone un cambio

2010-09-20T16:50:00.001-03:00

Por qué un grupo de unas veinte voluntades se convocan para formar una asociación de galerías con un objetivo principal: jerarquizar la actividad?
La respuesta es muy simple: porque hacía falta.

Desde hace muchos años la actividad de las galerías de arte ha venido perdiendo terreno en la comercialización del arte, donde rematadores, dealers, operadores, etc., han ganado espacio en la distribución del mercado de arte en general.
Ello se debe en gran parte dada a una política más asimilada a modalidades decimonónicas, cuando las galerías tenían solamente que exponer las obras y convocar a sus clientes para ir concretando las operaciones comerciales. Décadas atrás eso ocurría en la Argentina, cuando existían clientes fieles que se dejaban guiar por sus galeristas.
Hoy ya prácticamente no existe el concepto de cliente, que se ha transformado en comprador. Esa nueva figura se caracteriza por comprar donde tiene la mejor propuesta: artística, financiera y de servicio.
Por ello surge la aparición de una institución que se propone ofrecer una oferta comercial y artística más profesional, acompañada de un código de ética que corrija ciertos defectos que se observan en algunas empresas de plaza.

El hecho de establecer una relación con los artistas más transparente y menos comercializada (no alquilar la sala, producir la bibliografía, integrarlos a sus trastiendas, etc), permitirá manejar mejor la venta de su producción. Pero ésto no es gratuito: el propio artista deberá a su vez modificar ciertos hábitos comunes en este medio (la infidelidad al concretar operaciones de “taller” aprovechando la promoción de la galería o repartir la obra para su comercialización como si fueran caramelos).
Todo esto y muchos otros proyectos de desarrollo de la actividad de conjunto, con la lógica competencia comercial, serán bien recibido por el mercado y por ende propenderá a un mayor desarrollo del arte y los artistas.
Estos propósitos que asumen los integrantes de GALAAC -Asociación de Galerías Argentinas de Arte Contemporáneo- representan un soplo de aire fresco en un medio donde muchos operadores generan un ambiento totalmente opuesto.
Lo interesante es que ya se han integrado unas 20 galerías, que abarcan un espectro muy amplio. Desde las “grandes”, consagradas por muchos años de actividad, unidas con las medianas y pequeñas, desterrando así una conducta un tanto clasista que caracterizó algunos períodos pasados.
Es de desear que estos propósitos se vayan afianzando y creciendo, no sólo para consolidar las participaciones de ferias en el exterior sino para profundizar la actividad local, ya que para que un mercado sea sólido debe basarse fundamentalmente en el mercado interno.

La charla con Fernando Entin (presidente y titular de Elsi del Río), Gachi Prieto (vicepresidente y titular de Gachi Prieto) y Roxana Olivieri (vocal y titular de RO Galería de Arte), que aportaron parte de los detalles de objetivos que señalamos, se produjo en medio de un workshop que los miembros directivos de GALAAC realizan semanalmente para capacitarse en la conducción profesional de la Asociación.
Deberá ponerse atención sobre el crecimiento de la entidad y auditar que los principios enunciados y otros en etapa de elaboración se cumplan para beneficio del arte argentino.
Mario Gilardoni
Expotrastienda Plus
Septiembre de 2010

Nuestro secreto develado, por Daniel Molina

2010-09-19T19:19:00.003-03:00

Nuestro secreto develado
Nacida el 16 de marzo de 1971, Gaby Messina estudió publicidad y fotografía. Durante diez años trabajó en agencias de publicidad, hasta que en 1999 decidió trabajar como fotógrafa publicitaria. En 2004 presentó su primer trabajo personal. Ahora expone en la galería Elsi del Río una serie de retratos realizados en Lima, en la provincia de Buenos Aires. Hasta el 15 de octubre.
Por Daniel Molina
Diario Perfil
Domingo 19 de Septiembre de 2010
Cultura

Recuerdo una tarde de mi infancia: iba con mi tía Fela viajando en tranvía por una Buenos Aires de calles adoquinadas. Mi tía tenía una revista dedicada al carnaval. Quería que yo eligiera un disfraz para lucirlo en el corso de ése año. Me enamoré del traje de gallito. Estaba cansado de ser pirata: quería tener plumas de colores y un gran pico amarillo. Faltaban muchos años para que leyera esta frase de Oscar Wilde: “Si se le pide a un hombre que nos cuente su vida, mentirá; démosle una máscara y dirá la verdad”. Sin embargo, a los seis años, cuando pedí el disfraz de gallito, yo ya la entendía perfectamente. Ahora, frente a los retratos de Gaby Messina vuelvo a confirmar que nunca somos más auténticos que cuando nos disfrazamos.

Durante dos años, todos los fines de semana, Messina fue a Lima, un pueblo que se encuentra a cien kilómetros de la ciudad de Buenos Aires y que parece haberse detenido en las primeras décadas del siglo pasado. Messina es una retratista singular. Tiene un ojo único para encontrar el gesto revelador, el rasgo secreto, el momento preciso. Ella sintió que había descubierto en Lima algo maravilloso, que no supo bien qué era, pero que intuía que era muy intenso. Comenzó a retratar a los habitantes, que al comienzo se mostraron desconfiados. ¿Qué buscaba esa mujer? ¿Por qué los invitaba a fotografiarse? ¿Qué podían tener ellos para que todas las semanas se viniera desde la capital a tomarles fotos?

De a poco, Messina fue venciendo todas las resistencias y descubriendo el tesoro secreto que anida en el corazón de la gente de Lima: un humor, un desparpajo, un ansia de jugar a ser otro. Los que al principio no querían saber nada se fueron acercando y todo el pueblo quiso salir en la foto. Cada cual con su historia, con su imagen única. Cada habitante posaba con su disfraz espléndido, el que le permitía mostrarse tal como se deseaba, tal como se soñaba.

Dos chicas en minifalda, con los labios rojo sangre, compartiendo un chicle promiscuo. Un señor sentado en su sillón floreado, presidiendo con su tridente un inhóspito jardín de tubos de gas. Dos hombres en un bar, ambos con el torso desnudo; el mayor, portando orejas de conejo, mira al más joven: hay tanta magia en la escena que es imposible saber qué sucede e imposible dejar de mirarla. Una mujer de pelo corto teñido de rojo está en un jardín, vestida con una malla blanca de escote muy abierto: monta un camello realizado con cinta de embalar. Una señora en ojotas, en el living comedor de su casa, cubierta de grandes hojas, luce un par de aros blancos. Un joven, con una especie de taparrabos realizado con una manguera, posa alegre en el esqueleto de una casa en construcción.

Las escenas lindan con lo estrambótico y son ambiguas. Cada uno de los personajes interpreta su papel con una energía tan potente que transforma cada foto en documento de una aventura existencial. Los personajes no sonríen ni se hacen los graciosos. Su humor es serio. A la manera de Buster Keaton, cada uno de los retratados por Messina parece comprender que la tragedia es la más intensa celebración de la vida. Detrás de cada disfraz, no se esconde nada. Lo más profundo está en la superficie. La escena, la pose, el gesto: todo lo que existe es lo que vemos. Y lo que vemos es nuestro secreto develado. Al exhibirse, los habitantes de Lima nos desnudan.

gaby MESSINA en ELSI DEL RIO

2010-09-19T19:08:00.006-03:00

LIMA, KILOMETRO 100 fotografía
Del 6 de septiembre al 15 de octubre de 2010

gaby MESSINA LIMA, KILOMETRO 100 fotografía
Con una mirada que mezcla su naturaleza antropológica y su condición de artista, en este nuevo trabajo, Gaby Messina abre las puertas de un universo desconocido para la mayoría, develando la complicidad, los sueños y fantasías de todo un pueblo.
Todas las semanas, durante dos años, visitó Lima, un pueblo ubicado muy cerca de Atucha, el centro de energía nuclear más importante del país. Al principio el acercamiento a la fotógrafa fue tímido y con cierta desconfianza, hasta que el lazo que se generó y el buen sentido del humor de todos dio como resultado la serie "Lima,Kilómetro 100".
Entre la ironía y la inocencia, los habitantes del pueblo posan para ella. Algunos juegan, algunos actúan y otros eligen mostrarse tal cual son. Entre la tradición y lo más atrevido aparece la diversidad digna de una gran ciudad pero esta vez en Lima, a 100 kilómetros de Buenos Aires.
Lima, Kilómetro 100 devela la complicidad, los sueños y fantasías de todo un pueblo.

Gaby Messina
Estudió publicidad, artes plásticas e historia del arte. Se formó en fotografía con Marcos López. A partir del año 2004, Gaby Messina muestra su obra España, Ecuador, México, Colombia, Estados Unidos, Suiza y Argentina. Esta es la primera muestra individual en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo.

2010-09-09T16:15:00.004-03:00

Seis finalistas
En sesión, el jurado del concurso Grimoldi dio el gran paso
Jueves 9 de setiembre de 2010
La Nación Suplemento Moda y Belleza

Y llegó el día de la preselección. Fue el viernes último, cuando se reunió el jurado del Concurso Grimoldi Nuevos Talentos para seleccionar a los finalistas de la segunda edición del certamen de diseño en innovación de calzado. En la galería Elsi del Río, en Palermo, alrededor de una mesa llena de proyectos hubo un animado intercambio de opiniones y una alegría compartida: fueron 1150 los inscriptos, más del doble de la edición anterior.

De ellos resultaron finalistas Mercedes Saravia, diseñadora industrial (Universidad de la Plata) y estudiante de Diseño de Indumentaria (Eamoda); Natalia Marinel Sanmillan, estudiante de Diseño de Indumentaria y Textil (UADE); María Paula Kretzer, estudiante de Diseño de Indumentaria y Textil (UBA); Carolina Ivonne Caamaño, diseñadora de indumentaria (Asociación Biblioteca de Mujer Instituto de Educación Superior); Mariana Borello, creativa publicitaria (Escuela Superior de Creativos Publicitarios), y Elizabeth Iuliano, estudiante de Diseño de Indumentaria y Textil (UBA).

Los criterios para la evaluación fueron innovación tecnológica, originalidad, creatividad y calidad estética, adecuada utilización del material, viabilidad económica y adhesión a las bases, entre otros. Y como siempre es interesante saber por qué no se está entre los elegidos, aquí van las explicaciones.

"El reciclado y la funcionalidad aplicados al segmento urbano-deportivo fueron las constantes, en general dentro de lo ya conocido", dijo Carmen Acevedo Díaz, de Moda & Belleza de La Nacion, media partner del concurso. "Se inspiraron en artistas y arquitectos, pero no lo pudieron plasmar. No hay ideas innovadoras", opinó Fernando Entín, galerista de arte y anfitrión. "No hacen el clic de las propuestas educativas a una propuesta personal. Acá se tienen que jugar ellos. Se tienen que mostrar", comentó Silvia Barreto, profesora de Diseño de Calzado de la UBA.

"Están preocupados por el resultado buscando inspiraciones externas, no en lo interno, personal, emotivo. No disfrutan el proceso creativo. Falta esa llama", expresó Marcelo Cantón, de Mishka. "Tiene que tener alma la creación. Veo gente con posibilidades, pero están encasillados", dijo Delia Cancela, artista plástica. "Exploran estéticas y no las transfieren al producto", comentó Barreto.

"Los finalistas son los que tienen una propuesta de innovación buscada más desde dentro que en lo externo", comentó Marcela Melaragno, de la organización del concurso. "Interesarse en el oficio. El diseño es un dibujo que debe materializarse. Es 3D", recordó Sebouhdanian, ganadora del Primer Concurso Grimoldi. Horacio Ruiz, modelista de hormas y calzado, y Teresa Hara, gerente comercial de Grimoldi, asentían satisfechos. "El concurso genera este espacio de la creatividad y oxigena la profesión", alentó Barreto.

La próxima instancia es la votación del público, que podrá hacerse hasta mañana a través de la página Web www.concursogrimoldi.com.ar . El voto popular valdrá tanto como el de un miembro del jurado. Luego, cada finalista deberá desarrollar su prototipo. Entre el 18 y 22 de octubre será la evaluación, la selección final y el cierre del concurso. Y para los demás habrá que atesorar este análisis para volver a concursar en la próxima edición.

María Paula Zacharías

"Birdwatching" por Laura Feinsilber

2010-09-03T19:50:00.001-03:00

"Birdwatching"
Galerías Ambito Financiero
Viernes 3 de Septiembre de 2010
Por Laura Feinsilber

«Birdwatching» a lo que los ingleses son tan afectos, es el arte de observar y estudiar a los pájaros en forma directa o con la ayuda de binoculares. La muestra de José Luis Anzízar, «Urban Birdwatching», celebrando los 10 años de la Galería Elsi del Río (Humboldt 1510), y también recientemente presentada en Londres, es una respuesta del artista a aquello que los habitantes de las urbes ya casi no observamos, el vuelo de los pájaros, y su canto que apenas escuchamos.

En la obra de este artista autodidacta que conocimos en el año 2000 por su serie «Zapatos», más adelante «Empanadas» (2003), «Embarque Inmediato» (2006) o «Flying Colors» (2009), hay un rasgo común: la ironía para tratar los temas que tienen que ver con su vida personal y su aguda observación del mundo que lo rodea.

Anzízar hace un culto de la manualidad, recorta, cose, pega, adorna, un trabajo personal minucioso que puede convertir en kitsch cuando quiere. Siempre tuvo libertad colorística, que en esta serie aparece muy enfatizada y que alude a la naturaleza en tonalidades pastel. En medio de la maraña que no es otra cosa que un dibujo muy meditado, instala sus pájaros, en realidad los apresa. Y eso es lo que quiere decir, nada de panfleto ni discurso ecologista, sólo alertarnos para que no dejemos de mirar y escuchar a estos seres alados, para los egipcios un símbolo de espiritualización y para la tradición hindú, los estados superiores del ser.

Es quizás en este estado que Anzízar «fabrica» esta naturaleza para que no la olvidemos.

Metáforas de la vida, por Daniel Molina

2010-08-14T01:25:00.005-03:00

Arte / Muestras

Los luminosos pájaros de Anzizar y los monstruos gloriosos de Juan Batalla celebran lo natural y los diez años que cumplió la galería palermitana Elsi del Río
Noticias de ADN Cultura
Sábado 14 de agosto de 2010 Publicado en edición impresa .
Para LA NACION - Buenos Aires, 2010
Por Daniel Molina

Nada natural hay en lo humano. No son naturales ni la poesía ni el genocidio ni la escritura ni el vino ni la censura ni el canto gregoriano. También se podría decir lo contrario: puesto que el ser humano es un animal, no hay nada humano -ni siquiera lo más sofisticado de nuestra cultura- que no sea natural: ni la poesía ni el genocidio. La muestras de José Luis Anzizar y Juan Batalla trabajan en el filo de esa dicotomía. De maneras muy disímiles la problematizan, la cuestionan, la desmontan y la superan: su arte sabe que la cultura es nuestra naturaleza.

Anzizar es un apasionado del vuelo: su obra es un canto al cielo. Gran parte de los trabajos que realizó en esta década están estrechamente ligados a su amor por el viaje. A través de planos de aeropuertos, de siluetas de aviones, de una paleta de tonos pastel, de bordados sobre servilletas que sobraron del último vuelo (manualidades de niño escolarizado, homenajes a las labores "femeninas"), Anzizar dibujaba el contorno de su deseo: ser otro. Ese otro que ya profundamente es. En Flying Collors (su muestra de 2009 en Recoleta), aparecía vestido de azafata. No era una pose travesti sino un desnudo total: mostraba -en carne propia- su cicatriz luminosa.

En su obra actual, los aviones persisten como pequeños monogramas bordados, pero el centro de la escena ahora lo ocupan los pájaros. Pájaros que se integran a su mundo de colores Pucci (la aeromoza que Anzizar simula ser es la que lucía los trajecitos que Emilio Pucci había diseñado para Braniff y que brillaban aún más en los aviones que había pintado, a mediados de los años 70, Alexander Calder). Los pájaros de Anzizar son colores en movimiento: no las aves que cantan, sino las plumas que vibran.

La muestra de Anzizar se titula Urban Birdwatching y se inspira en el arte de la observación de pájaros en el entorno urbano. Ni los pájaros que usa en la obra (que toma de los dibujos de Roger Tory Peterson, naturalista estadounidense) ni el entorno en el que los instala tienen nada de natural: su mundo es la paciente construcción de un hábil artesano, que no desmaya ante la desmesura tropical de los detalles. Para esta muestra, el artista produjo dos grandes objetos que simulan jarrones chinos, cubiertos completamente de enramadas coloridas y pájaros hieráticos. Estos jarrones evocan las chinoiseries que abundan en los hogares de la pampa bonaerense. Los jarrones chinos señalan la cultura en el espacio campestre: el reino de lo natural civilizado. Es decir, el triunfo de la cultura sobre la naturaleza.

Sobre esos jarrones de cartón y sobre lienzos y papeles, Anzizar pega sus pájaros recortados, lianas enroscadas, vegetales rosados, verdes pastel, celestes más brillantes que el cielo de la primavera. Borda y cose, como un aplicado alumno de corte y confección. Así construye -confiesa y recorta- su paraíso natural, completamente poetizado. Su orden es un caos: todo está por acontecer, como en el momento inicial. Su reino natural (sus pájaros perfectos, sus ramas barrocas) no es el mundo congelado de la razón sino el universo danzarín de la fiesta: el lugar en el que las aves trinan.

En el jardín de la galería, Juan Batalla exhibe tres esculturas. Es el pasaje a la tercera dimensión de los seres bidimensionales que poblaron su muestra Rinoceronte . Son objetos abstractos, cuya corporeidad sugiere la fuerza animal, el desenfreno natural y la fortaleza secreta, para nada ostentosa, del que se sabe poderoso.

Batalla trabaja con caucho (llantas de bicicleta, en este caso). En cada una de las tres esculturas hay una vibración distinta. Si bien el material impone su presencia en todas ellas (y las hermana por la "piel"), las diferencias de forma y de tratamiento las vuelve singulares. Dos de las esculturas están pintadas: una, parcialmente de rojo, y la otra, de plateado. La escultura desnuda, aquella cuya piel de caucho no recibió ningún ropaje y que exhibe impúdica su desnudez feliz, es la más potente: se integra al jardín con la violencia sutil de una planta.

De manera completamente diversa, Anzizar y Batalla producen íconos multifacéticos. Por un lado, trabajan con emblemas de lo natural, de la vida en estado salvaje o de las potencias salvajes de la vida. Por el otro, sus obras demuestran el sinsentido de la división naturaleza-cultura: son los versos de un soneto inconcluso que invita al espectador a continuarlo. Como los luminosos pájaros de Anzizar, los monstruos gloriosos de Batalla son metáforas espléndidas de la vida: es lo natural cuando se lo ha poetizado.

© LA NACION

FICHA. Urban Birdwatching , de José Luis Anzizar , y esculturas de Juan Batalla , en Elsi del Río (Humboldt 1510), hasta el 3 de septiembre

adnJOSÉ LUIS ANZIZAR
(Buenos Aires, 1962)
Artista autodidacta, trabaja con dibujo y técnicas experimentales sobre papel. Desde el año 2000, expuso en muestras individuales y colectivas en Buenos Aires, Bahía Blanca, La Plata, Miami, Londres, Berlín y Cartagena de Indias

adnJUAN BATALLA
(Buenos Aires, 1967)
Artista autodidacta, realiza esculturas con caucho e instalaciones. Comenzó a exhibir sus obras en 2001. Expuso en Buenos Aires, Montevideo, Río de Janeiro, Salta y Bogotá. Curó muestras en el Centro Cultural Ricardo Rojas y en el Museo Blanes (Uruguay) y codirige, con Dany Barreto, la editorial Colección Arte Brujo

Lima Photo, con presencia y empuje argentinos, por Ana María Battistozzi

2010-08-14T01:04:00.002-03:00

Lima Photo, con empuje y presencia argentinos
12/08/10
Clarin, PorAna María Battistozzi

Una robusta embajada de galerías argentinas hizo pie en Perú esta semana, para participar de la primera edición de la feria Lima Photo . Dedicada exclusivamente a la fotografía, la feria -hasta el domingo en el Centro de la Imagen del barrio de Miraflores- es una iniciativa de la editorial argentina Arte al día, que hace años apuesta al creciente interés por la fotografía del nuevo coleccionismo latinoamericano a través de Buenos Aires Photo.

Como dato del estrecho vínculo entre las dos ferias, Lima Photo presentará en su primera edición Espacio Buenos Aires / 2010, un homenaje a nuestra ciudad que contará con la presencia y auspicio del Ministerio de Cultura porteño. Entre los viajeros figuran galerías de Palermo Viejo, Recoleta y San Telmo, casi todas integrantes de la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo, (GALAAC).

Por largo tiempo la fotografía fue un hueso duro de roer en el mercado latinoamericano. En un ámbito que sobrevalora la pieza única y respeta sobremanera el original, su condición de imagen de reproducción múltiple le jugó en contra. Pero hoy es imposible excluir a la fotografía. Así lo manifiesta el grupo que representa a nuestro país esta semana en Perú: “la idea es expandir el patrimonio cultural y artístico, no sólo en términos geográficos sino también en cuanto a nuevos soportes, como la fotografía, videos y nuevas tecnologías”, dijeron. Presentan obras de fotógrafos y videastas como Juan Doffo, Carlos Trilnick, Hugo Aveta, Simón Altkorn, Alfonso Castillo, Gaby Messina, Linda Cartridge, Margarita Wilson Rae y Manuel Archain.

También dirán presente los fascinantes archivos de los pioneros de la fotografía latinoamericana, Sameer Makarius de Argentina y Martín Chambí de Perú. La feria Lima Photo les dedica dos capítulos especiales.

La legitimidad de la fotografia.

2010-08-14T00:57:00.004-03:00

Diario El Comercio, Lima, Perú
La legitimidad de la fotografía
La primera edición de Lima Photo 2010 tendrá por ciudad invitada a Buenos Aires
GALAAC en Lima Photo 2010

Por: Gonzalo Galarza Cerf
Domingo 8 de Agosto del 2010

Cinco ediciones vividas dan legitimidad a sus palabras: “Photo Lima puede hacer mucho. Puede despertar la curiosidad del público explicándole quiénes son los artistas, por qué la foto es arte contemporáneo y los distintos lenguajes de cada fotógrafo”. Lo dicho por Fernando Entin obedece a la experiencia del hombre que ha visto de cerca cómo el Buenos Aires Photo ha contribuido a situar a esa ciudad en el mapa de la fotografía contemporánea.

El presidente de la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo (Galaac) ha llegado a Lima para la primera edición del Lima Photo 2010 sin mayor información sobre los fotógrafos peruanos, como los que se aventuran libremente, sin juicios previos: “Vamos a sorprendernos y seguramente a encontrar paralelos, álter egos, personas que se encuentren en condiciones de dialogar y conversar desde su práctica fotográfica. Será nuestro desafío como asociación descubrirlos y ponerlos en contacto”.

Lo que sí conoce muy bien Entin es lo que ha hecho el Buenos Aires Photo: “Ha contribuido con la fotografía en varios puntos claves, como difundir a los artistas especializados en fotografía, crear conciencia de que la fotografía es arte, estimular la creación de un mercado y de un coleccionismo que lo apoye y educar a través de su programa de conferencias y auditorio”.

Buenos Aires es la ciudad invitada en esta Primera Feria Internacional de Galerías de Arte que abre sus puertas del 11 al 15 de agosto, en el Centro de la Imagen. Perú, Argentina, Chile, Uruguay exhibirán en más de veinte stands a sus máximos representantes, tanto maestros con amplias y reconocidas trayectorias como jóvenes que empiezan a tener presencia en el plano internacional. Dentro de la veintena de galerías, se encuentran nueve asociadas al Galaac: Arte X Arte, Artis Galería, Del Infinito, Elsi del Río Arte Contemporáneo, Gachi Prieto Gallery, Galería Rubbers International, Masottatorres Arte Contemporáneo, Pabellón 4 y RO Galería de Arte.

“Ofreceremos un panorama estimulante de obras de diferentes artistas que son conocidos referentes del arte argentino contemporáneo, como Juan Doffo, Carlos Trilnick, Hugo Aveta, Simón Altkorn, Alfonso Castillo, Gaby Messina, Linda Cartridge, Margarita Wilson Rae y Manuel Archain”, dice Entin.

El presidente de Galaac cuenta que cada galería propuso a tres fotógrafos y que han sido seleccionados aquellos que mejor dialogaban entre sí: “El propósito es desembarcar en Lima con una propuesta contemporánea, coherente, atractiva y representativa de la fotografía actual en Argentina. Hay una mezcla de consagrados y noveles. La participación de Galaac en Lima Photo es posible gracias al apoyo del Ministerio de Cultura de la ciudad de Buenos Aires, a cargo de Hernán Lombardi, quien también nos ha apoyado en nuestra participación en MiArt (Milán 2008) y Miami Art Fair (Miami 2010)”.

Porque reunir a nueve galerías en una feria internacional finalmente se torna en una propuesta inicial de una muestra posible a recorrer otros países: “Sin dudas la idea es difundir, promocionar y posicionar a los artistas en el circuito internacional, y ojalá resulten atractivos a otras galerías o museos para invitarlos a participar en su programación. La cantidad de gente que puede vernos en una feria supera a lo que cada galería podría convocar individualmente”.

Entin resalta otro aporte fundamental de un evento como es el Buenos Aires Photo para cada una de las galerías participantes: “Ha legitimado a la fotografía y ha motivado a los galeristas, que no tenían este medio entre sus artistas, a tenerlo. Ya no es posible, a partir de Buenos Aires Photo, ser considerada una galería de arte contemporáneo si no se tiene por lo menos un buen fotógrafo en el plantel de artistas”. Y ese mismo camino seguirá el Lima Photo 2010.

MÁS INFORMACIÓN
Lugar: Centro de la Imagen: Av. 28 de Julio 815, Miraflores.
Temporada: Del 11 al 15 de agosto, de 1 a 9 p.m. entrada: 15 soles (general) y 7.50 soles (estudiantes y jubilados)

Cumpleaños Feliz, por Victoria Verlichak

2010-08-14T00:49:00.002-03:00

Cumpleaños feliz
“Urban Birdwatching” de Anzízar.
“Lo otro” de Juan Batalla.
Elsi del Río. Humboldt 1510.
Por Victoria Verlichak

Elsi del Río está de fiesta. La galería celebra su primera década con las muestras de José Luis Anzizar y Juan Batalla. Inaugurada en julio del 2000, con una muestra del mismo Anzízar, primero funcionó en la calle Arévalo y está ahora en Palermo Hollywood. Su programa, de exhibiciones y de asistencia a las ferias de arte, pone el acento en la promoción de artistas contemporáneos nacionales y extranjeros. Es dirigida por Fernando Entin, también presidente de la Asociación Galerías Argentinas de Arte Contemporáneo, entidad que participa con 12 galerías en Lima Photo 2010, con el apoyo del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

En el cubo blanco de la galería, Anzízar (Buenos Aires, 1962) continúa visual y conceptualmente con sus series “En tránsito” y “Aeropuertos”, marcando itinerarios y revelando movimientos que proponen una reflexión en torno a la percepción. En “Urban birdwatching” (avistamiento urbano de pájaros), Anzizar pinta sobre tela y papel, corta y pega papeles con los que dibuja trazos que sugieren la cadencia del vuelo de los pájaros, tanto como lo desconocido en el horizonte que propone la gran ciudad. En el patio de esculturas al aire libre, Batalla (Buenos Aires, 1967) instaló piezas abstractas con corazón de madera y revestimiento de caucho. El látex, retorcido y enlazado, sirve para descubrir nuevos sentidos.

Sábado 7 de Agosto de 2010
Revista Noticias
Arte

Juan BATALLA en ELSI DEL RIO

2010-08-14T00:43:00.002-03:00

JUAN BATALLA LO OTRO escultura
"Experiencias de vida, a las que se agregan experiencias de viajero, confluyeron en Batalla para la elección de un material revelador. Así, varios de los principios funcionales que se desprenden de un neumático de bicicleta usado -matriz, impronta, huella, circularidad, reciclado- fueron aprovechados por el artista para generar su obra sin perder aquellas características (sumadas a sus experiencias), aunque reutilizándolas con nuevas funciones y sentidos."
Fabián Lebenglik

Una instalación de esculturas abstractas transforma un patio en hábitat de criaturas pasmosas. Cuasi lunares, asisten a soles, vientos y humanas miradas.

Juan Batalla
Argentina, 1967. Comenzó a exponer públicamente en 2001 en Elía - Robirosa, Loreto Arenas, Marte UpMarket (Montevideo) y Zavaleta Lab, entre otras. Exhibió, además, en CCEBA, Centro de Estudios Brasileiros Buenos Aires, Centro Cultural Recoleta, Solar Meninos de Luz (Río de Janeiro), MAC (Salta), Museo de Antioquia, arteBA y ArtBO (Bogotá).
Ha realizado curadurías en el Centro Cultural Rojas y en el Museo Blanes (Montevideo). También edita libros de investigación artístico / antropológica (Colección Arte Brujo) como parte de su quehacer artístico.

10 años de ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo

2010-07-22T20:46:00.003-03:00

Jose Luis ANZIZAR en ELSI DEL RIO

2010-07-12T15:13:00.004-03:00

JOSÉ LUIS ANZIZAR presenta Urban birdwatching
en ELSI DEL RIO arte contemporáneo
Mixed media sobre papel
del 14 de Julio al 3 de Septiembre
Opening: 14 de Julio de 19:00 a 22:00

ELSI DEL RIO en arteBA 2010

2010-07-12T15:09:00.003-03:00

Low turnout, high praise, mid-priced sales at Pinta

2010-07-03T23:08:00.003-03:00

Quality—if not quantity—of visitors pleased at Latin American fair’s first edition in London
By Melanie Gerlis Web only
Published online 28 Jun 10 (market)
The art newspaper London

LONDON. The signs were, literally, not great. On arrival at Earl’s Court, the west of London venue that Pinta had chosen for its first edition in the city (3-6 June), prominent signage advertised the forthcoming rival fair, Pulse (6-8 June). Meanwhile makeshift boards eventually reassured visitors that the modern and contemporary Latin American fair, whose previous three editions have been in New York, was indeed also taking place in the UK.

Once inside, however, the mood was upbeat (“like a fiesta,” said Riflemaker’s Virginia Damtsa), boosted by a lively mariachi band. Sharing space with regional galleries from cities including Sao Paulo, Buenos Aires and Bogota were international stalwarts such as Sprüth Magers, White Cube and Haunch of Venison, plus dealers from Europe and the US, who had all dug out their Latin American wares in the hope of capitalising on a new breed of well-connected, well-heeled and locally loyal collectors. And with booths costing around £5,000 at a smallish fair (around 60 galleries), Pinta was a much cheaper and more efficient way to access this network than most art fairs.

However, dealers were sceptical of Pinta’s announcement that 4,000 people visited the fair over the three days following its opening night (this was later specified as a “rounding up” from around 3,650). “General visitor numbers were pretty dire,” said Adrian Sutton, a sales director at Haunch of Venison, manfully holding the fort just days after the gallery’s founders—Harry Blain and Graham Southern—announced they were leaving. “But the few people who came were people you recognised,” he added, with praise for the fair’s organisers and the quality of much of the art on display. His gallery swiftly sold Jorge Pardo’s Untitled, 2004, to a private European collector for $25,000.

Visitors to the opening night included Swiss collector Maja Hoffman, Latin American art collector Catherine Petitgas (who is a vice chairman of Pinta); the curator for the Cisneros collection, as well as London stalwarts Alison Myners, outgoing chair of the Contemporary Art Society and David Barrie, previous head of The Art Fund, now believed to be advising some private clients. Tate director Nicholas Serota also visited the fair at the weekend.

“Mauro [Herlitzka, Pinta’s institutional director, who sits on the Tate’s Latin American acquisitions committee] is the most important cultural operator in Latin America. He has a way of making things happen,” said Henrique Faria of the eponymous gallery in New York. He had good reason for his praise: the gallery quickly sold Colchoncito, 1963, a mixed-media work (meaning “small mattress”) by Argentina’s Marta Minujin to the Pompidou, one of the six museums that Pinta had encouraged to buy through a privately-financed matching funds scheme, for around €60,000 (see below for other museum purchases).

Much of the (albeit limited) buying was in the low- to mid-range and by private collectors, many—like the artists—originally from Latin America but now citizens of the world. Sprüth Magers sold a David Lamelas film with 8 stills, To pour milk into a glass, 1967, for €45,000 to an Argentine private collector; Galeria Cayón from Madrid sold works by the octogenarian Venezuelan Carlos Cruz-Diez whose Transerhomie mécanique A, 1965-2009, sold to a private Europe-based collector for €55,000; and at the lower end, artist José Luis Anzizar at the fair with Buenos Aires gallery Elsi del Rio, sold five pieces of his Urban Birdwatching series, 2009, to a French collector for around £3,000 (total).

Ya llega arteBA 2010

2010-06-09T22:25:00.006-03:00

Del 25 AL 29 DE JUNIO DE 2010
LA RURAL PABELLONES AZUL Y VERDE
Av. Sarmiento 2704 Buenos Aires Argentina
De 13 A 22 HS
Público General: $30 Jubilados y estudiantes: $15
Menores de 12 años: sin cargo Beneficio CITI y Club La Nación: 2 x 1
Apertura al público: 25 de junio 13 hs
Cierre de feria: 29 de junio a las 22 hs

Colchones de Minujín, al Pompidou

2010-06-09T10:49:00.000-03:00

Clarin Edición impresa
05/06/10
PorAna María Battistozzi
Londres. Enviada Especial

Apenas unas horas después de la inauguración de la primera edición de la Feria Pinta en Londres, la curadora Tanya Barson abrió en la Tate Modern el programa de conferencias que acompaña la feria con un repaso del compromiso de la institución con el arte latinoamericano en la última década. El volumen de obras adquiridas no deja lugar a dudas. En los últimos tres años compró La torre de Babel, una escultura de León Ferrari de 1963, una serie del brasileño Hélio Oiticica , más otras de brasileños como Cildo Meireles, Lygia Clark, Adriana Varejao y Mira Schendel y de argentinos como Jorge Macchi, Guillermo Kuitca, David Lamelas y Horacio Zabala .

Por un lado el nuevo coleccionismo latinoamericano, más internacionalizado y cercano a las instituciones europeas, y por el otro el programa para estimular compras de parte de esas instituciones–que asciende a cien mil libras– son las dos patas de la estrategia ideada por los organizares de la Feria, Mauro Herlitzka, Diego Costa Peuser y Alejandro Zaia.

La noche misma de la inauguración dio sus primeros frutos en la galería de Henrique Faría. Allí el Centro Pompidou compró unos colchones multicolores históricos de Marta Minujín . La gente de la galería Zabalta Lab también tenía lo suyo para festejar: vendió una obra de Le Parc del 59 a un coleccionista inglés. Gran éxito de ventas tuvieron también, en la misma noche, obras de José Luis Anzízar y Martín Calcagno en Elsi del Río. Y otro tanto ocurrió con Nahuel Vecino en el espacio de Cosmocosa/Balón que arrimó la joven Amparo Díscoli, auspiciada por los ingleses Stuart y John Evans.

El resto de los presentes discutía al cierre del primer día valores y argumentos de venta con seductoras perspectivas pero sin operaciones precisas. Un fin de semana movido los espera.

La conquista de Europa, nueva meta del arte latinoamericano

2010-06-09T10:44:00.003-03:00

Feria Pinta en Londres
Con apoyo de museos y coleccionistas, Pinta se lanzó al competitivo mercado del viejo continente.

Clarin Edición impresa
06/06/10
PorAna María Battistozzi
Londres. Enviada Especial.

Puede que el presente entusiasmo europeo y norteamericano por el arte latinoamericano, termine como el boom del arte ruso y el chino años atrás?, preguntó alguien del público al panel integrado por galeristas de Estados Unidos y Europa, el viernes por la tarde en el auditorio de la Feria Pinta en Londres.

La respuesta del galerista venezolano Henrique Farías, que vive en Nueva York, calmó la ansiedad justificando una moderada expectativa: “Depende de muchas cosas, pero la diferencia quizás esté en que ni Rusia ni China tenían para sostenerlo la fuerte tradición de arte moderno y contemporáneo que tiene Latinoamérica. Salían prácticamente de 40 años de ostracismo y de pronto irrumpieron como la burbuja inmobiliaria”. El galerista marcó bien las diferencias: “Latinoamérica, en cambio, tiene la Bienal de San Pablo, segunda de la historia después de Venecia, con una continuidad institucional que se remonta a la posguerra. Hay investigaciones, museos de arte moderno y contemporáneo, galerías y sobre todo grandes artistas que dialogan sobre los mismos temas y al mismo nivel de los europeos y norteamericanos que integran las colecciones del primer mundo”.

La arriesgada apuesta de Pinta de saltar de Nueva York a Londres de algún modo tiene que ver con hacer visible esa circunstancia y transformarla en un hecho de mercado. ¿Será posible a mediano plazo? Los argentinos Alejandro Zaia, Mauro Herlitza y Diego Costa Peuser, los organizadores, vienen armando un complejo rompecabezas para lograr ese objetivo. Ganar consideración y espacio no es algo sencillo de conseguir en una plaza tan difícil y competitiva como ésta. Basta recorrer las calles de las zonas próximas a la feria para percibir el tamaño de la exigencia y el nivel de inversión que les demandará. Por fortuna, del otro lado el interés no escasea. ¿Podrán lograr que Pinta se convierta en la vidriera por excelencia para que los poderosos de aquí se interesen en el arte de allá? Por lo pronto, varios museos europeos respondieron favorablemente a la invitación de participar del programa de compras. La Tate compró en Nueva York la obra de Horacio Zabala y el Pompidou acaba de adquirir unos colchones de Minujín del 63. Además, la presencia de galerías como White Cube, que representa artistas de la talla de Damian Hisrt, es un respaldo importante. Y el mismo día de la inauguración vendió “Testigos oculares”, una obra del mexicano Damián Ortega.

Por su parte, la globalización aporta lo suyo: fortunas con intereses dispersos aquí y allá. Por caso, Paloma Botin, coleccionista de la familia de los dueños del Banco Santander, pasó por la feria. La argentina Erica Roberts –miembro del consejo de La Tate– estuvo actívisima en la acción VIP, aquí y en Buenos Aires. Otras que brindaron distintas formas de apoyo fueron la coleccionista Tiqui Atencio Demirjian, del consejo internacional del Guggenheim y Ella Fontanals Cisneros. Ambas con fortunas ligadas al ámbito de las comunicaciones. También estuvo Eduardo Costantini, el fundador del Malba con prestigio internacional por su apoyo al arte de la región.

Mientras tanto, el arte de contemporáneo de Latinoamérica se muestra aquí de otras maneras: Eugenio López, dueño de la empresa Jumex de México y de una colección de arte contemporáneo, apoya la muestra del belga mexicano Francys Alys que pasó hace dos años por el Malba e inaugura la semana próxima en la Tate. Además, la Hayward Galley reabrirá su puertas con una intervención del brasileño Ernesto Neto.

Operaciones argentinas
En Pinta sobraba entusiasmo ayer. No sólo hubo muchos visitantes, también se cerraron operaciones. Alejandro Zaia, uno de los directores de la feria, detalló a Ñ en qué se vieron involucrados artistas, galeristas y coleccionistas argentinos (y rioplatenses). Se vendieron obras históricas: una de Arden Quin artista uruguayo argentino. tres del uruguayo Torres García y varias del hispano argentino Esteban Lisa.

Los contemporáneos tuvieron lo suyo: fueron compradas dos obras de cada uno de los argentinos Ferrari y Stupía. Además, tres de Liliana Porter. Y casi toda la obra que exhibe la galería porteña Elsi del Río. Los coleccionistas criollos también dijeron presente.

Un Damián Ortega, un Palatnik y un Lescher fueron adquiridos por uno. Un Jorge Pardo y un Cruz Diez, por otro.

A la conquista de Europa

2010-06-09T10:34:00.001-03:00

Después de tres exitosas ediciones en Nueva York, Pinta, la feria de arte latinoamericano moderno y contemporáneo, desembarcó en Londres. La ciudad apuesta al arte para atraer inversores millonarios

Noticias de ADN Cultura
Sábado 5 de junio de 2010 Publicado en edición impresa
Por Juana Libedinsky
Enviada especial - Londres, 2010

Para esta época, el año último, el mercado de arte y antigüedades lucía muy apagado, con lo cual la noticia de que en junio de 2010 en Londres ya hay por lo menos cinco grandes ferias desarrollándose una tras otra, e incluso superponiéndose, parece una locura. Sin embargo, según el Financial Times , en el ínterin el mercado de subastas parece haberse puesto a marchar con anabólicos, con precios estelares en un amplio espectro de piezas que van del arte moderno a los relojes de pulsera, de los autos clásicos a las alhajas.

Este empuje en los remates significa un buen augurio para la temporada de ferias, que se presenta mucho más ambiciosa que la de los últimos años, con versiones mejoradas de los clásicos y la llegada de propuestas nuevas, decididas a convertirse en citas ineludibles del calendario de las artes en Europa. Eso es lo que se propone Pinta, la feria de arte moderno y contemporáneo latinoamericano que desembarcó anteayer en Londres con medio centenar de galerías después de tres exitosas ediciones en Nueva York. Los artistas argentinos están representados por cinco galerías de Buenos Aires -Elsi del Río, Zavaleta Lab, Proyecto Bisagra, Del Infinito y Cosmocosa- y también integran las propuestas de otros países, como Estados Unidos, España y Alemania.

También se destaca la venerable London International Fine Art Fair, organizada por los mismos promotores detrás de la Miami International Art Fair y Art Palm Beach, quienes prometen inyectar energía en la feria que existe desde la década de 1970. Han conseguido, por ejemplo, que el cantante Bryan Ferry les preste para exhibir 15 obras de artistas británicos de su colección. Como en tantas de las otras ferias, el objetivo más o menos explícito es desafiar la decaída economía británica aprovechando Londres como punto de referencia para llegar a nuevos clientes que provienen de Rusia, la India, China y Medio Oriente.

Frente al Royal Albert Hall se desarrollará Art Antiques London, con un especial énfasis en las cerámicas. Uno de los programas preferidos de la televisión británica es Antiques Roadshow , en el cual un especialista recorre pueblos del interior de Inglaterra y la gente le lleva piezas que languidecen en el hogar, en general heredadas y con valor emocional, para ver si, además, no poseen algún valor pecuniario interesante. Cada tanto se descubre que el florerito de la tía abuela vale varios miles de libras, y las caras de los dueños cuando reciben la información explican el éxito de la serie. Para mostrar un costado poco acartonado, la feria invitará a uno de los especialistas del programa, Paul Atterbury, a dar una conferencia. Con el rimbombante nombre de Masterpieces London se realizará esta exposición premium de bellas artes combinadas con ciertas piezas decorativas de gran valor, así como todo tipo de elementos de colección. Una pieza de las que se estiman que atraerá más público será una Bugatti de 1932 por la que se piden tres millones de libras.

Prometen precios más razonables la West London Arts and Antiques Fair, que se desarrolla hasta mañana. Allí pueden encontrarse desde grabados isabelinos hasta esculturas contemporáneas, en un ambiente reducido y relajado que garantiza un especial cuidado en la verificación de la autenticidad de las antigüedades.

Pequeños gestos, grandes resultados
La gran novedad, sin embargo, es la primera edición de Pinta, la feria de arte latinoamericano en Londres, que también concluye mañana. "En las tres ediciones realizadas en Nueva York, Pinta se ha consagrado como la feria de arte moderno y contemporáneo latinoamericano mas importante en Estados Unidos, en la medida que ha contribuido a romper los estereotipos que hasta hace poco caían sobre él. Mostramos artistas reconocidos como Roberto Matta, Wifredo Lam, Joaquín Torres García, Xul solar, Gego, Julio le Parc y Gyula Kosice, y otros como Regina Silveira, Arturo Herrera, Fabián Marcaccio, Vik Muniz y Elías Crespin, y además hemos incluido artistas emergentes, como Sofía Maldonado, Alexandre Arrechea y Emilio Chapela, de tal manera que contribuimos a su visibilidad mundial", explica su director, Diego Costa Peuser.

"Los museos tienen especial interés en ver qué presentan las galerías pues es una oportunidad de ver obras de nuevos artistas que hasta el momento no han conocido", subraya asimismo Mauro Herlitzka, que junto con Costa Peuser y Alejandro Zaia está al mando de la iniciativa. Herlitzka señala que en el programa que Pinta desarrolló para facilitar las adquisiciones para museos están apuntados nada menos que el Reina Sofía, la Tate, el Macba, el MIMA de Middlesbrough (que es nuevo en la escena para América latina), el Museo de la Universidad de Essex y el Centro Pompidou, entre otros.

En Pinta se puede disfrutar con un homenaje a los pioneros Carlos Cruz-Diez y Carmen Herrera; un proyecto de arte en el que 15 galerías presentan stands curados con shows individuales; la participación de 50 renombradas galerías, y una serie de diálogos sobre la presencia del arte latinoamericano en el contexto británico y sobre su ubicación en las colecciones públicas.

Además, coleccionistas top como Ella Cisneros, Tiqui Atencio y Frances Reynolds, entre otros, están directamente involucrados en conseguir que Pinta sea un éxito rotundo que abra el camino para que la feria crezca año a año en alcance e importancia. Esto se ve incluso en detalles, como la manera en que se está cuidando no sólo a los representantes de museos y compradores institucionales sino a los otros coleccionistas, a quienes se los invitó a recorrer colecciones en casas privadas o a desayunos y cócteles en clubes tradicionales para fomentar una suerte de espíritu de cuerpo. Esta actitud coloca, con Pinta la cabeza, al arte latinoamericano como un interés sólido y creciente en el Viejo continente.
© LA NACION

adnPINTA
La feria de arte moderno y contemporáneo latinoamericano nació en 2007 por iniciativa de Alejandro Zaia (centro), Diego Costa Peuser (der.) y Mauro Herlitzka (izq.). Sus tres primeras ediciones se realizaron con éxito en Nueva York y ayer inauguró su primera edición en Londres

El arte latinoamericano se hace un lugar en Europa

2010-06-09T10:29:00.003-03:00

Pinta reúne a artistas consagrados y emergentes de la región
Viernes 4 de junio de 2010
Publicado en edición impresa
Juana Libedinsky
Para LA NACION

LONDRES.- "Es tan refrescante esto; un golpe de energía; como un shot de tequila sobre el mundo del arte", decía anoche Andrew Jones, un coleccionista británico fascinado con lo distinto y provocador, pero, a la vez, con la calidad de lo que se mostraba en la inauguración de Pinta.

Dirigida por Diego Costa Peuser, Mauro Herlitzka y Alejandro Zaia, se trata de la feria de arte latinoamericano que se realiza desde hace tres años en Estados Unidos y que, por primera vez, ayer desembarcó en la capital británica.

De coleccionistas como Eduardo Costantini a mujeres de polistas que hacen la temporada en Inglaterra, como María Vázquez; de celebridades del mundo del arte como Tiqui Atencio Demirdjian y Ella Fontanals Cisneros (¡o de la pantalla, como Leonardo Di Caprio, lo que parecía un inesperado cameo!), a diplomáticos como el ex embajador de la Argentina en Gran Bretaña Federico Mirré, todos se dieron cita entre los 35 stands del centro de exposiciones de Earl´s Court.

Eduardo y Clarise Costantini fueron de los primeros en llegar. "Gratamente sorprendidos con la calidad promedio de las obras", resumieron su pasada. Cuando se les pidió un breve análisis del mercado, señalaron que "el arte brasileño está muy caro en relación al argentino; en obras comparables cuesta cinco a diez veces más". Las razones: coleccionistas brasileños que se mueven con fuerza y compran obra propia; el Estado que promueve el mercado con desgravaciones, y la fortaleza de la economía brasileña.

En una galería de Nueva York, era irresistible la filmación de un ballet aéreo dirigido por el argentino Leopoldo Maler, realizado en una zona industrial de Londres en los 70. Extremadamente poético, sus hombres y mujeres de gris, que colgaban de grúas oxidadas, anticipaba, en cierta manera, lo que desarrollarían con tanto éxito compañías como De la Guarda. Justo enfrente colgaba uno de los colchones multicolores realizados por su prima, Marta Minujín, una obra desbordante de alegría, y ahora con mucha razón: fue comprada por el Centro Pompidou.

Oportunidad de mercado
"En Pinta, acertaron con el año. En 2009, la crisis hubiera sido apremiante, pero ahora se ven inversores que buscan nuevos horizontes, y el público europeo se está dando cuenta de que aquí hay buenos precios de obras que se van a valorar", explicó Erica Roberts, miembro del comité de adquisiones del museo Tate.

Eliana Facioni, vip manager de la feria Frieze, estuvo de acuerdo. "Me sorprendió; es una muy buena selección de galerías con cosas que no se ven en Londres", dijo.

La coleccionista Ella Fontanals Cisneros fue más allá: "Pinta va a llevar el arte latinoamericano a un nuevo nivel en Europa. El arte no tiene fronteras y, a través de Internet, la información de lo que se está produciendo llega, pero ¡esta es la oportunidad de ver lo real!".

La también renombrada coleccionista Tiqui Atencio Demirdjian subrayó que Pinta fue extremadamente importante en Nueva York y a partir de ahora lo será en Londres ya que junta a coleccionistas, museos y fundaciones para intercambiar conocimiento y puntos de vista.

Paula Bonadeo, una joven argentina que vive en París, "cruzó el charco" para la muestra. "Estoy empezando a coleccionar arte y aquí lo que realmente me interesó fue la obra de Esteban Lisa y la de Magdalena Murúa, una artista joven."

Justamente, uno de los ingredientes que el público más valoró de la feria, que estará abierta hasta el domingo, es la mezcla de los artistas modernos consagrados con valores más emergentes contemporáneos.

Aunque distintas galerías de Europa y Estados Unidos llevaron artistas argentinos, también vinieron desde Buenos Aires Elsi del Río, Del Infinito, Proyecto Bisagra y Zavaleta Lab. Estela Tottah, de la galería Del Infinito, reflexionó: "Es una apuesta arriesgada, no por ello menos interesante, y un emprendimiento loable que espero que continúe".

Los augurios para 2011 ya son muy buenos. "Vine a explorar un poco -confesó el artista argentino residente en Londres Ricardo Cinalli-. Pero después de lo que vi, a mi galería de Barcelona le voy a decir que el año próximo no se la pierdan."

ELSI DEL RIO se prepara para arteBA 2010

2010-05-31T12:35:00.003-03:00

ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo
Pre producción arteBA 2010.
Accedé al video de El Ciclista.

Elsi del Rio para arteBA 2010 from el ciclista on Vimeo.

Nos estamos preparando para arteBA 2010

2010-05-30T21:53:00.004-03:00

Los esperamos en arteBA 2010
¿adónde? En La Rural Pabellones Azul y Verde
Av. Sarmiento 2704, Palermo, Buenos Aires, Argentina
¿cuándo? Del 25 AL 29 DE JUNIO
¿en que horario? De 13 A 22 horas
Vea como nos estamos preparando!

Elsi del Rio para arteBA 2010 from el ciclista on Vimeo.

La feria PINTA se muda a Londres, por Alicia de Arteaga

2010-05-11T13:19:00.003-03:00

Martes visuales
La feria Pinta se muda a Londres
Entre los efectos del Picasso record y las turbulencias de la eurozona, Pinta Londres debutará en el Earl Court Exhibition Centre el 3 de junio, con la presencia de galerías británicas y latinoamericanas. Un desafío para los organizadores Mauro Herlitzka, Diego Costa Peuser y Alejandro Zaia, que acreditan tres ediciones de Pinta Nueva York, con una audiencia de seguidores latinos y celebridades del mundo del arte, como Estrellita Brosdky, Tiqui Acencio, Sagrario Pérez Soto, Solita Mishaan, Frances Reynolds, Ella Cisneros y Jorge Virgili, dispuestos a apostar por este nuevo formato, en una ciudad donde se inaugura una feria por semana y tiene su bastión en la legitimadora Freeze. El programa de adquisiciones impulsado por Pinta invitó a los museos de Essex, a la Tate Modern, al Pompidou, al Reina Sofía de Madrid y al Macba, de Barcelona.

Por la Argentina, estarán las galerías Elsi del Río, Proyecto Bisagra, Del Infinito y Zavaleta Lab con una propuesta curatorial para consagrados y emergentes. En el calendario global, Pinta deberá conquistar su lugar entre las subastas latinas de Nueva York, que son a fines de mayo, y el relojito suizo de Art Basel, que se pone en marcha en la primera semana de junio.

Organizadores y galeristas, reunidos la semana última por la coleccionista Erica Roberts, confían en que los inversores que empinaron las cotizaciones en las subastas neoyorquinas se trasladen a Earls Court. Londres. Una buena plaza para difundir arte latinoamericano; artistas como el indio Anish Kapoor tuvieron su plataforma de consagración.

ArteBa, la feria de Buenos Aires, ajusta detalles para abrir el 24 de junio en la Rural, con una propuesta continental en consonancia con la celebración que nuestro país comparte con México, Colombia, Ecuador, Venezuela y Chile.

Alicia De Arteaga
Noticias de Cultura
Martes 11 de mayo de 2010
Publicado en edición impresa de La Nación

ELSI DEL RIO en PINTA Londres

2010-05-04T00:37:00.006-03:00

Gritos y susurros
De qué habla la gente de la cultura cuando casi nadie la escucha
PINTA LONDRES, EN MARCHA.
En la sede de la embajada argentina en Londres, Mauro Herlitzka, Diego Costa Peuser y Alejandro Zaia lanzaron la primera edición de la feria Pinta en la capital británica. Entre el 3 y el 6 de junio, Pinta abrirá sus puertas en el Earls Court Exhibition Centre con la presencia de medio centenar de galerías y visiones curatoriales que ensanchan la mirada hacia el arte latinamericano. El programa de adquisiciones incluye a la Tate Modern, el Reina Sofía de Madrid, el Museo de la Universidad de Essex, el Pompidou, el Macba de Barcelona y el Middlesbroug Institute of Modern Art (Gran Bretaña). Entre vinos de alta gama y exóticos tragos, los organizadores anticiparon que habrá un espacio, curado por Pablo de la Barra, destinado a galerías que muestran obra de un solo artista. Pinta tendrá como anclas una muestra antológica del venezolano Cruz-Diez y otra consagrada a la cubana Carmen Herrera. Estrellita Brodsky, Erica Roberts, Rosa de la Cruz, Ella Cisneros, Tiqui Atencio y Tanya Brillembourg integrarán el comité de recepción convocado por los organizadores. Entre las galerías participantes se encuentran las prestigiosas Haunch of Venison y White Cube. Por la Argentina estarán presentes Del Infinito Arte, Zavaleta Lab y Elsi del Río. En la sede diplomática londinense confirmaron su apoyo la Fundación Exportar y MBA Lazard.
ADN La Nación
Viernes 30 de Abril de 2010

GUERRA DE PALABRAS | Fernanda Cohen en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo

2010-05-02T18:42:00.008-03:00

FERNANDA COHEN
GUERRA DE PALABRAS DIBUJO
Opening: lunes 3 de mayo de 2010 19hs a 22hs
Humboldt 1510 Palermo Hollywood Buenos Aires
Cierre: sábado 3 de julio de 2010

GUERRA DE PALABRAS
Guerra de Palabras es una serie personal que se enfoca en la dinámica detrás de una variedad de diez discusiones universales de la sociedad moderna que incluye política, amor, niñez, deportes, servicio al cliente, religión, manifestaciones, padres e hijos, amistad y la discusión interna y eterna con uno mismo.

Las imágenes están pintadas mayormente en blanco y negro para dirigir la mirada del espectador hacia las palabras y su movimiento, el cual cambia según la discusión y la relación entre sus participantes.
Fernanda Cohen

FERNANDA COHEN Buenos Aires
En el año 2000 se mudó a Nueva York. 4 años más tarde se graduó en la SVA – Escuela de Artes Visuales, Universidad de Nueva York- . Allí vive desde entonces. Su primer trabajo fue para The New York Times. Gano 60 premios internacionales. 4 exhibiciones individuales además de realizar ilustraciones para líneas de carteras, anotadores post-it, artículos de la cocina, libretas y más. Enseña en la SVA. Es conferencista en todo el mundo. Coordinadora de las conferencias de la Sociedad de Ilustradores de Nueva York. Escribe, asesora e ilustra para diversas revistas argentinas e internacionales.

RENAME | Mariana Vidal en ELSI DEL RIO

2010-04-19T17:15:00.003-03:00

Fernanda Cohen en Revista NOTICIAS

2010-04-12T17:54:00.004-03:00

Personajes Fernanda Cohen (29)
“Mi trabajo es jugado, diferente, burbujeante”
Artista plástica argentina, vive en Nueva York y sus ilustraciones aparecen en remeras de Gap, en “The New York Times”, Sony y MTV.
Por Vicky Guazzone di Passalacqua

Alcanzan apenas unas preguntas para darse cuenta de que lo suyo es la eficacia. Directa, concisa y sumamente clara, Fernanda Cohen contesta sin dilaciones. Conforme va respondiendo, estos detalles comienzan a hablar por sí solos. Y es fácil deducir que en esa eficiencia y soltura radica una de las claves del éxito de esta artista argentina de 29 años, casada, sin hijos, residente en Nueva York y cuyas ilustraciones están al servicio de empresas como Gap, Sony, “The New York Times”, y Keds.

Noticias: En diciembre salieron a la venta sus remeras ilustradas para Gap. ¿Cómo fue el proceso?
Fernanda Cohen: Fue tan liviano que casi no me di cuenta. Pensé que iban a volverme loca con sus pedidos y sus entregas, como sucede en muchas de las corporaciones grandes, pero nada que ver. Me dirigieron muy poco y me dieron mucha más libertad de la que esperaba.

La carrera de Fernanda está plagada de sucesos como este. Desde que a los 20 años ingresó a la School of Visual Arts de Nueva York y se radicó en esa ciudad, su cartera de clientes no ha hecho más que aumentar. “Al graduarme ya tenía trabajo, porque había llamado a `The New York Times´ y le había pedido una oportunidad a Steve Heller, reconocido director de arte”, relata Cohen. A una semana de egresar, veía su primer dibujo publicado en el diario. Le siguieron participaciones en revistas como “Dwell” y “Harvard Business Review”, y posteriormente llegó el llamado de Ikram, una boutique de alta costura conocida por contar entre sus clientas más fieles a Michelle Obama. “La diseñadora me llamó para ilustrarle 12 postales mensuales para su campaña del 2005. Jamás había hecho moda, pero igual me animé”, cuenta Fernanda. Aquel trabajo derivó en dos años de campañas, invitaciones y vidrieras, donde los sucesos más recientes son el diseño de unas zapatillas exclusivas para la marca americana Keds y los murales que está pintando para el restaurante neoyorquino Beba, en el SoHo.

Noticias: ¿Hubo un efecto dominó, un cliente atrajo al otro?
Cohen: Así fue. Una vez que hice dos campañas para Ikram me entró laburo dentro del mismo rubro de mujeres femeninas y glamorosas, y empecé a dibujar para “Target”, MTV, “Cosmopolitan” y Flaunt. Y lo mismo me pasó cuando hice la primera tapa de la revista del “The New York Times”, un año después de mi primer dibujo, y me llamaron de revistas de negocios como “Money” y “Time”.

Noticias: También realizó vidrieras para The New York Look, ¿cómo fue eso?
Cohen: Surgieron gracias a un viejo amigo, Marcelo Ríos, quien a fines del 2001 y en plena crisis argentina me preguntó si me interesaba traer ropa de diseñadores a New York. Yo todavía era estudiante, y dije que sí, ¿qué podía perder? Me dio ropa de Vero Ivaldi, Mariana Dappiano y algunos más y fui de local en local a venderla, con la cara más dura que una piedra. Así conocí a Saeed, el dueño de The New York Look, que enseguida me adoptó como una hija y me compró U$S 10.000 de mercadería. Y cuando el caos argentino hizo que dejaran de llegarme los productos, empecé a trabajar yo misma con él, ilustrando sus vidrieras. Y la primera fue en 5ta Avenida y 45th Street, ¡una super-ubicación!

Noticias: ¿Qué es lo especial de su estilo que gusta tanto?
Cohen: Sólo puedo repetir lo que me dicen, porque estoy tan inmersa que me cuesta verme objetivamente, pero me cuentan que mi trabajo es diferente, jugado, femenino, burbujeante. Con mucho movimiento y lleno de vida. Ser diferente es una gran ventaja, pero al principio había muchos clientes que no sabían qué hacer conmigo…

Noticias: ¿Qué tan crítica es con su trabajo?
Cohen: ¡Muchísimo! Soy supercrítica y poco sensible al respecto. La crítica constructiva me alimenta, y es lo que formó mi trabajo inicialmente. Mi marido, David, mi mamá y mi abuela son las personas a las que más recurro en los primeros bocetos.

Noticias: ¿Cuáles son sus próximos proyectos?
Cohen: En Buenos Aires voy a hacer otra exhibición individual en la galería de arte “Elsi del Río”, desde el 3 mayo al 3 de julio de este año y estaré presente en ArteBA. Mientras tanto, además, ilustro una columna semanal para “Clarín”, me ofrecieron ser artista residente en SCAD (Savannah College of Arts and Design), escribo una sección mensual para la revista “90+10” y doy conferencias por diferentes partes del mundo.

Noticias: ¿Y con todo eso entre manos tiene tiempo para hacer su propio arte, lejos de lo comercial?
Cohen: Sí. Desarrollo una serie de trabajos personales todos los años, por más trabajo comercial que tenga en mi estudio, y se exhibe en galerías. Por lo general son obras inspiradas en pequeñas obsesiones y fascinaciones que guían mi existencia. Me atraen los temas universales, como la sexualidad de la mujer, las mascotas y sus dueños, las discusiones, la risa.

Noticias: Diseñó las vidrieras porteñas de Jazmín Chebar y Martín Churba, ¿cree que hubiera logrado algo así si no se hubiera ido?
Cohen: La verdad, no tengo idea. Probablemente mi carrera hubiese sido diferente, más local, y quizás hubiera logrado oportunidades como la de Jazmín y Martín. Fueron cosas que adoré hacer, tanto desde lo comercial como desde lo personal, porque el alma de patriota me brota por los poros, y más a medida que pasa el tiempo.

Noticias: ¿Cómo es eso?
Cohen: Yo no me fui para buscar oportunidades, lo hice porque era chica y no tenía la noción que hoy tengo de lo que significa mudarse lejos de tu infancia, tu país, amigos y familia. Creo que una vez que te vas estás roto para siempre, y hay una parte mía que siempre va a estar en Buenos Aires. Y si bien me duele el corazón cuando lo pienso, ante todo me siento muy afortunada de poder hacer todo lo que me gusta y poder volver a mi país cuantas veces quiera.

Noticias: Y además de los viajes, ¿con qué se recompensa?
Cohen: Aunque suene triste, ¡en mi tiempo libre también me gusta trabajar! Me divierte y me llena de vida. También hago ejercicio, visito a mi sobrino en Los Ángeles, salgo a comer afuera y al cine con David. Me gusta gastar en ropa de diseñadores, como Marc Jacobs o Tramando. Y también nos gusta instalarnos en algún hotel de Manhattan por un fin de semana y jugarla de turistas.

Revista NOTICIAS
Sábado 10 de Abril de 2010
Número 1737

Genoveva Fernández en ESPACIO MAIPU

2010-03-30T13:59:00.003-03:00

Genoveva Fernández en ESPACIO MAIPU
ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo y ESPACIO MAIPÚ (Maipú 942 Buenos Aires) presentan BROTE, pintura de Genoveva Fernández, curada por Magdalena Mosquera.
La muestra estará abierta durante el otoño, y se puede visitar de 9 a 18hs.

COSTHANZO en Espacio Samsung

2010-03-19T18:29:00.006-03:00

Samsung inaugura un espacio exclusivo para el entretenimiento
Se trata de un nuevo concepto que pone en práctica la marca donde reúne el arte y la música con la tecnología como herramienta clave para poder disfrutarlo

La industria del entretenimiento tiene un nuevo espacio para entretener a los consumidores.
Se trata del Samsung Studio, un lugar caracterizado por un concepto clave: High Tech Live.

La creación de Samsung consiste en un lugar donde conviven la música y las artes desde una nueva perspectiva, ya que permite disfrutar shows en vivo con todos los últimos aportes de la tecnología.

Dentro del predio de M Buenos Aires y con entrada por el Pasaje 5 de Julio 444, San Telmo, este espacio se define como un verdadero laboratorio de tendencias para la industria del entretenimiento. Tiene una capacidad dinámica de 700 asistentes.

Su programación en vivo abarca diferentes disciplinas artísticas. Desde Jazz, Blues, Tango, Folk, Rock moderno, Canción Francesa, hasta fiestas exclusivas y encuentros electrónicos de improvisación con notebooks.

Además, ofrece contenidos diferenciales como:
•Descargas: cada mes habrá discos recomendados para descargar. Durante marzo el disco internacional será “Veckmaister” de Grizzly Bear y el nacional será “La Casa de la Noche” de Rosal.

•Alta Tecnología:
Samsung será el soporte tecnológico de Samsung Studio, donde habrá pantallas LED TV y monitores LFD para disfrutar tanto de las imágenes de los shows, como de las imágenes programadas. Asimismo, la sala cuenta con tecnología de grabación de audio y video de alta definición, que eventualmente permitirán a los asistentes llevarse en sus celulares las imágenes y/o el audio del show al que acaban de asistir.

•Intervenciones artísticas:
cada temporada un artista plástico intervendrá la entrada del lugar. Augusto Costhanzo es el primer artista invitado, estará a partir de marzo y durante todo el otoño con su obra (Gentileza de la Galeria de Arte Elsi del Rio).

La artística
En este aspecto, el estudio presenta artistas de culto (lo trendy e inédito) y masivos. Revelaciones actuales y ciclos de conciertos customizados para nichos de fanáticos.

La propuesta abarca:
•Shows íntimos de artistas consagrados (ej. Gustavo Cerati, Norah Jones)
•Ciclos de música de tendencia (Nuevos Aires Folk, Quilmes Sessions)
•Temporadas de pequeñas orquestas de tango, música contemporánea o electroacústica
•Fiestas con DJs internacionales y/o bandas emergentes (Kitsuné, Bugged Out!, Cache, etc)
“Samsung Studio es un generador de tendencias, un espacio íntimo que te acerca lo que se viene para que lo disfrutes y lo vivas de la mejor manera”, explican en la compañía.

Opening de Mariana Vidal | RENAME

2010-03-18T16:17:00.003-03:00

Mariana Vidal en ELSI DEL RIO

2010-03-14T19:42:00.002-03:00

MARIANA VIDAL
RENAME PINTURA
Gacetilla de Prensa

Opening: lunes 15 de marzo de 2010 19hs a 22hs
Humboldt 1510 Palermo Hollywood Buenos Aires
Cierre: viernes 30 de abril de 2010

RENAME
El comienzo puede ser en un sillón de tres cuerpos o en el piso del taller. Ella abre un libro de hace cinco décadas, encuentra fotografías de aquel palacio francés de interiores abarrotados, piensa en la mujer que danza en su balcón, la nombra, su pensamiento la mira, y entonces nacen espejos, jardines floridos, cascadas de fantasía, bosques profundos, precipicios decorados.
Cada una de sus obras nos invita a ser habitada por nuestro deseo; paisajes de micromundos expandidos que buscan correspondencias al ser nombrados como personas, que nos inducen a sentirlos como cuadros vivos, que laten, que respiran.

El nombre puede ser largo o corto: Eva, Magdalena. Y éste se repetirá en una pantalla, en un sueño, en un papel, en la pared de la galería. Todo sucede en simultáneo, todo es aquí, todo es ilusión.

Cada nombre un paisaje. Cada paisaje un deseo. Cada deseo una persona. Cada persona un lugar donde podemos elegir quedarnos.
Andrea Fernández

“RENAME es dar vida a un cuadro; mostrar el mundo que cada persona habita”

MARIANA VIDAL
(Buenos Aires, 1976)
Asistió a las escuelas Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón, se formó en el taller de artes visuales de Sergio Bazán. Realizó exposiciones individuales en la Galería Elsi del Río, Buenos Aires (2003 y 2007), en CRUCE-Arte y pensamiento-, Madrid (2005) y en la Casona de los Olivera, Buenos Aires (2006). Participó en exposiciones grupales en UNO, Centro de Arte Contemporáneo, Gral. Roca, Rio Negro (2008), en el C.C. Borges, C.C. Recoleta, Museo Sívori, Fundación Klemm. Museo de Bellas Artes de Neuquén, Casa de la Cultura, Museo Castagnino de Rosario, entre otras. También en arteBA (2004, 2006, 2008 y 2009). En el 2009 participó como artista y en la gestión del programa de residencias “Residencia en UNO” junto a la Fundación Estudio 13. Durante los últimos doce años alternó su actividad artística con la docencia tanto en su taller como en instituciones públicas y privadas.

ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo
10 años con el arte
Durante 2010 ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo celebra, en cada una de las muestras de su programación, los 10 años dedicados en forma interrumpida al arte contemporáneo.

ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo
Humboldt 1510 - Palermo Hollywood
Buenos Aires, Argentina

Martes a Viernes 14 a 20
Sábados 11 a 15
(+5411) 4899 0171

info@elsidelrio.com.ar
www.elsidelrio.com.ar

Fernanda Cohen en GAP

2010-02-20T21:37:00.003-03:00

REDTM bird and heart T, by Fernanda Cohen

This T was designed by the Argentine artist Fernanda Cohen. She combines the warmth and passion of her native city Buenos Aires, with the edge and power of New York City, where she lives and works.

Half the profits from Gap (PRODUCT) RED™ styles go to the global fund to fight AIDS.

Fernanda Cohen presentará su primera muestra individual en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo el 3 de Mayo de 2010.

Temporada Alta ´10 by Costhanzo

2010-02-03T14:27:00.005-03:00

COSTHANZO - Temporada Alta '10

2010-01-10T10:38:00.002-03:00

COSTHANZO en ELSI DEL RIO

2010-01-10T10:18:00.011-03:00

ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo presenta a
COSTHANZO Temporada Alta ’10 arte digital

Durante la temporada alta el verano brota en cada rincón, el color estalla, la música suena a tope, la urbe se recalienta. Costhanzo interpreta esta época del año como una exaltación de su pasión por los planos cinematográficos, la historieta y la música. Los dibujos que ha realizado a lo largo de 20 años, de trazo geométrico y preciso, resolución digital y colores vibrantes, parecen escapar del encuadre.

Para los que no pudieron ver la muestra que Costhanzo realizó en el Centro Cultural Recoleta, en Octubre de 2009, ELSI DEL RIO les acerca lo mejor de esta intensa producción de arte digital. Acompañan, también, los bocetos de sus obras, testigos del amor que profesa este artista digital por el lápiz y el papel.

“Temporada Alta” es una cruza entre un iPod y una caja de lápices de colores, siempre listos para “escuchar el color”.

Costhanzo, 1969, Buenos Aires
Desde hace 20 años publica sus trabajos en lo mejor de la prensa Argentina y del mundo (Clarín, La Nación, Pagina 12, Rolling Stone de Argentina, México y España, El Pais de Madrid, El Mundo de Madrid, The Independent, The Guardian (UK), The Wall Street Journal, The Boston Globe (USA) y Les Inrockuptibles (Francia) entre otros medios).

Muestras individuales: Museo Telecom, Bs.As. (1993), Centro Cultural Recoleta, Bs.As. (2002), Centro Cultural España Cordoba, Córdoba (2004), Centro Multicultural de Pichincha (CAMP), Rosario (2004), Pasaje PAM, Rosario (2005), "AC/DC", Centro Cultural Recoleta, Bs.As. (2009).
Esta es su primera muestra en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo.

GENOVEVA Fernandez, por EL CICLISTA

2009-12-28T14:35:00.003-03:00

GENOVEVA fernandez presenta ILUSIONES
en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo.

Agradecemos a el ciclista productora audiovisual por la realización de este video.
www. elciclista.tv

El arte tiene su oferta de temporada, por Laura Casanovas

2009-12-28T14:30:00.002-03:00

Tendencia / Nuevas estrategias para difundir y vender
El arte tiene su oferta de temporada
Artistas y galeristas bajan el precio de las obras para incentivar el coleccionismo en la gente no especializada

Laura Casanovas LA NACION
Para fin de año, el arte baja sus precios para llegar a más público. Es la tendencia que este año se afirma al observar el conjunto de reconocidas galerías que por estos días ofrecen importantes "rebajas", que incluyen tanto obras de artistas emergentes como consagrados.

¿Es una obra de arte un objeto como cualquier otro que tiene su momento del año de oferta? ¿Ayuda esta propuesta a ampliar el círculo de coleccionistas? ¿Puede afectar la valoración simbólica de la obra y modificar su consumo? Son las preguntas que LA NACION hizo a galeristas y artistas sobre este fenómeno.

"Se trata de empezar a buscar un target de público diferente, pero que sepa qué está comprando, porque sigue importando tanto la obra como el currículum del artista", explicó a LA NACION María Luisa Barril, una de las directoras de la galería Holz (Arroyo 862), que presenta, hasta el viernes próximo, la muestra Coleccionables, con obras de sus artistas a menos de 3000 pesos, un precio hasta tres veces menor al que tienen habitualmente.

Es el cuarto año que esta galería lo hace. Barril explicó que el cliente de toda la vida no viene a buscar la oferta ahora y que, en cambio, se acercan en esta época muchos matrimonios jóvenes y otros con sus hijos adolescentes para que ellos comiencen a formar su propia colección. Así, por $ 3000 se puede adquirir una obra de las reconocidas artistas Zulema Maza o de Diana Dowek. Y por $ 1200 tintas sobre tela del artista emergente David López Mastrángelo, entre otras opciones.

También se pueden comprar a 3000 pesos cuadros de Diego Perrotta, joven artista consagrado, quien consideró: "Los artistas aceptamos estas propuestas porque en los meses de verano el mercado se para y entonces nos permite hacer una diferencia en diciembre, y porque sabemos que se trata sólo de dos semanas y que luego vuelve el precio de antes". Y estimó: "Para el público que está acostumbrado a comprar obras es una fiesta, y el que no, por ahí se anima a regalar arte". Popularizar el arte
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Laura Haber, de la galería homónima, que está en Juncal 885, es la primera vez que propone para esta fecha obras a bajo precio. Pero en su caso, la propuesta consistió en invitar a la galería rosarina Cultura Pasajera, que reúne mayormente a artistas emergentes, para que presenten sus trabajos en su galería hasta el 15 de enero.

"Hay que ser creativos y tratar que la gente se arrime a las galerías, que no le tengan miedo, como se logró con los museos. Me parece bárbaro poder popularizar más el arte, que no sea sólo para unos pocos, porque es como mejorar la calidad de vida de la gente. Y es sólo durante un momento del año, uno después vuelve a su oferta habitual", expresó Haber.

Entre los artistas de Cultura Pasajera que se presentan en la galería porteña hay algunos jóvenes conocidos, como Mauro Guzmán, ganador el año pasado del Premio arteBA-Petrobras, de quien se puede adquirir desde una pequeña planta de cactus en una maceta decorada por $ 90 hasta un collage por 1200 pesos. También hay obras geométricas, en papel de Marina Gryciuk que, según el tamaño, cuestan entre 330 y 670 pesos, y las pinturas de estética pop de Aurelio García, por $ 1700, entre otras opciones.

La obra más cara en esta exposición, en la que predomina el dibujo, es la de la consagrada artista Graciela Sacco. Se trata de cajas de fósforos pequeñas forradas con imágenes heliografiadas, cada una a 300 pesos. Pero si se quiere adquirir la totalidad de las cajitas, que se encuentran dentro de un cubo de acrílico, el precio es de 3900 pesos.

También tuvo ofertas de fin de año la Galería Wussmann, hasta el lunes pasado. Por otra parte, Elsi Del Río (Humboldt 1510) continuará hasta fin de mes. Si bien no es el primer año que esta última galería baja los precios para fin de año, sí, este año hizo más hincapié para que se conociera la propuesta, que incluye rebajas de hasta un 25 por ciento. Son obras de tamaño pequeño y mediano de los artistas de la galería e incluyen grabados, pinturas, objetos, dibujos y esculturas. Algunos de los artistas son Edgardo Madanes, Daniel Oberti, Liliana Menéndez, Nico Sara y José Luis Anzizar.

Artistas y galeristas coinciden en que la pionera de esta tendencia es Sara García Uriburu, quien desde hace 15 años realiza el "Saratón" el último miércoles de noviembre: son 12 horas -de 12 del mediodía a 12 de la noche, cuando se hace el sorteo de una obra- durante las cuales consagrados y jóvenes artistas presentan obras especialmente producidas para esa ocasión. Este año, el local en la calle Uriburu quedó pequeño para albergar a quienes se acercaron a aprovechar la jornada, que en muchos casos se llevaban obras en cantidad, con valores de entre $ 150 pesos a 1500 dólares, según el artista. Renovación del consumo

Consultada sobre esta tendencia que se afianza, la joven artista Fabiana Barreda opinó que confía "en un sistema de creación de nuevas formas de mercado". Y dijo: "Que haya renovación en el mundo del consumo me parece optimista"; por ello considera que todos los canales que facilitan la circulación de la obras son buenos.

También la galería Rubbers (Av. Alvear 1595) bajó sus precios para esta época, en el cuarto año consecutivo en que lo hace, pero con el objetivo de donar todo lo recaudado a la Fundación Agrupar. Los precios están en los 100 y 3000 dólares. Por ejemplo, hay una tinta en papel de 1974 de Luis Felipe Noé, a US$ 3500, cuando su precio es de US$ 6000. La galería ya vendió un total de 15 obras de distintos artistas a un promedio de US$ 1000 cada una.

También hay trabajos, de pequeño formato, de otros grandes nombres, como Antonio Seguí, Marcia Schvartz, Juan Doffo, Jorge Gamarra, Pedro Roth y muchos otros. Se trata de pinturas, esculturas, dibujos y fotos -también de jóvenes artistas- que se expondrán hasta este jueves.
"Se acerca el público de siempre de diciembre, que es más ecléctico", comentó a LA NACION Mariana Povarché, directora de Rubbers, quien aclaró que el caso de ellos es distinto porque con su propuesta adhieren a un fin solidario. En cuanto a la tendencia en general de bajar los precios por las Fiestas consideró: "Si es excepcional, está bien" y siempre con el consenso del artista de qué precio ponerle a la obra. Y concluyó: "Una obra no es un producto más del mercado, es un excelente regalo, pero con todo el respeto que tiene".
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Miradas
DIEGO PERROTTA Artista
"Los artistas aceptamos estas propuestas porque son sólo dos semanas, y el público no habituado por ahí se anima a regalar arte"

FABIANA BARREDA Artista
"Confío en un sistema de creación de nuevas formas de mercado. Que haya renovación en el mundo del consumo me parece optimista"

MARIANA POVARCHE Galería Rubbers
"Si la tendencia es excepcional, está bien. Una obra no es un producto más; es un excelente regalo, pero con todo el respeto que tiene"

LAURA HABER Galería Laura Haber
"Me parece bárbaro poder popularizar más el arte, que no sea sólo para unos pocos. Y es sólo durante un momento del año"

MARIA LUISA BARRIL Galería Holz
"Se trata de buscar un target de público diferente, pero que sepa qué compra, porque siguen importando la obra y el currículum del artista"

La Nación
Lunes 28 de Diciembre de 2009

Alegria | 2010 | Festejemos

2009-12-18T19:04:00.010-03:00

Es el deseo de ELSI DEL RIO y de sus artistas desearles un SUPER MUY FELIZ 2010 y agradecerles todo el apoyo recibido durante el 2009!

fernandoENTIN
meryWAISSMAN

nicoSARA
josé luisANZIZAR
marianaVIDAL
GENOVEVAfernandez
danielOBERTI
celinaSAUBIDET
pabloPEISINO
margaSTEINWASSER
gustavoPIÑERO
carolaROUSSO
fernandaCOHEN
edgardoMADANES
patriciaDI PIETRO
damiánKIRZNER
iratxeLARREA
lilianaMENÉNDEZ
silvinaDER-MEGUERDITCHIAN
martinCALCAGNO

ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo
Director: Fernando Entin
Humboldt 1510 - Buenos Aires, Argentina
(+5411) 4899 0171
info@elsidelrio.com.ar
www.elsidelrio.com.ar
Martes a Viernes de 14 a 20 horas
Sábados de 11 a 15 horas

Arte, Mon Amour! Revista LIVING

2009-12-07T22:27:00.003-03:00

Arte, ¡mon amour!

Revista LIVING, Número 63, Diciembre 2009
AGENDA - María Güiraldes

José Luis Anzizar en Centro Cultural Recoleta

2009-11-03T16:38:00.002-03:00

FLYING COLORS by Anzizar
Hasta el 15 de Noviembre
Centro Cultural Recoleta
Sala 9
Junin 1930 Buenos Aires Argentina

Producción para Revista LUZ en ELSI DEL RIO

2009-11-01T23:00:00.007-03:00

Romina Gaetani y Fabián Medina Flores, en la producción para Revista LUZ, previo a la apertura de ILUSIONES (pintura de GENOVEVA Fernández) y LA DELICADA FRAGANCIA DEL AMOR EN LOS BOSQUES DE CAÑUELAS (instalación con árboles de Martin CALCAGNO).

Flying Colors - Anzizar en el Centro Cultural Recoleta

2009-10-31T22:53:00.021-03:00

Flying Colors by José Luis Anzizar
Centro Cultural Recoleta Junín 1930 - Buenos Aires
Sala 9 Hasta el 15 de Noviembre
Fotografías: Diego Mur

Martin Calcagno en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo

2009-10-29T17:32:00.005-03:00

LA DELICADA FRAGANCIA DEL AMOR
EN LOS BOSQUES DE CAÑUELAS instalación
E S P A C I O A B I E R T O
Opening: 2 de Noviembre 19hs.
ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo
Humboldt 1510, entre Cabrera y Gorriti
Palermo Hollywood Buenos Aires Argentina

La instalación con árboles y troncos tallados de Martín Calcagno, presentada en el ESPACIO ABIERTO de ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo, es protagonista en "La delicada fragancia del amor en los bosques de Cañuelas" (2009). "¿Quién no ha visto o ha escrito mensajes de amor, odio o displicencia en las cortezas de los árboles? Estos han sido pizarra de improperios y eternas disculpas de millones de seres humanos. Los bosques siempre fueron el marco alejado para los amantes que buscaban privacidad de sus actos, lo que luego los transformaba automáticamente en sitios secretos para todo tipo de actos. Marcaban el lugar con sus iniciales y con fechas para lograr dejar una marca-testigo de aquellos mágicos momentos. ¿Y cómo no volver sobre ellos para tachar lo antes escrito, frente a una infidelidad? Es decir, los escritos sobre los árboles se actualizan a medida que pasa el tiempo, en un eterno cambio".
Martin Calcagno

Genoveva Fernandez en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo

2009-10-29T17:21:00.006-03:00

ILUSIONES pintura
Opening: 2 de Noviembre 19hs.
ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo
Humboldt 1510, entre Cabrera y Gorriti
Palermo Hollywood Buenos Aires Argentina

El ornamento femenino es protagonista en "Ilusiones" (2009), la nueva serie de Genoveva Fernández. Independiente de la figura humana, el ornamento pasa a primer plano, con una fuerte provocación visual. "La obra de Genoveva Fernández habla de un regreso al paraíso, solo que su mirada no está enfocada en la desnudez del comienzo, sino en ropas con símbolos que provienen del consumo, de la moda y de otros ángulos de incidencia sobre el ser. No se trata de una obra decorativa, sino de una obra que goza de una intelectualidad profunda, impregnada de sutileza. Cuantas más telas pinta, más se desnuda. Quizás, el observador común, solo pueda ver blanco, negro, flores, círculos. Pero en una comprensión sutil y profunda de su trabajo, se puede entender el recorrido realizado: del cuerpo a la tela, de la tela al vestido como símbolo icónico de la feminidad más absoluta. No se trata de ropa, se trata de hojas de parra para la Eva del nuevo siglo".
Fabián Trigo

Una azafata a todo vuelo, por Marcos Luczkow

2009-10-29T17:08:00.003-03:00

Una azafata a todo vuelo

Por Marcos Luczkow

Revista RAMONA

La lluvia no amainaba, pero tampoco decaía mi curiosidad por ver antes que nadie las obras que estaría exponiendo José Luis Anzizar en el Centro Cultural Recoleta. Después de las mil sugerencias recibidas que tronaban en mi mente diciendo “debes escribir seriamente, no seas insolente”, me dirigí hacia el estudio del artista dispuesto a hacer una reseña extra profesional.Con abundante verde, mansas ovejas y silos repensados arquitectónicamente, el taller de Anzizar es un cóctel entre paraíso solemne y bunker post civilización ubicado cerca del barrio de Chacarita.

Increíblemente, más allá del horizonte, José Luis vuela sin equipaje. Es que Reina (el alter ego de Anzizar) con narcotizante trajecito de Emilio Pucci está bien entrenada para cualquier tipo de improvisto. En su adolescencia mientras él remaba sobre antagonismos, una serie de aviones pintados por Alexander Calder, dividían las aguas del delta entre sueños e imposiciones. “Cada domingo la rutina era la misma. Mientras el timonel y el entrenador se esforzaban en motivarnos a punta de grito, yo, literalmente, estaba en las nubes. Si bien la anchura del rió ayudaba a hacer más liviana la carga, me costaba estar en el agua”. Esta performatica azafata sentía como un guiño de ojo el pasar de los aviones colores pastel que invitaban a evadir la opresiva rutina.

Reconfortantes apariciones de la flota aérea Flying Colors de la ex Braniff hacían que los sueños de Anzizar sean cada vez más auténticos.

En esta serie de trabajos el artista rompe el formato y se desliza en un sin fin de lenguajes empleando objeto, instalación, fotografía, bordado, pintura, collage, performance y construyendo un nuevo mapa de su propio cuerpo.

Sin azar en el camino, abundan las metáforas y paralelismos que narran situaciones entrecruzadas con lo cotidiano.Ya sea como azafata de avión o transmutado en ágil hibridación de colibrí, las fantasías de José Luis ganan altura en esta muestra y se materializan en colores que vuelan.
Se la puede visitar en la sala 9 del centro cultural hasta el día 15 de noviembre

Der persönliche Blick, por Maria Exner

2009-10-29T17:00:00.006-03:00

José Luis Anzizar und zwölf weitere Künstler bespielen die Säle im Centro Cultural Recoleta

En la angosta sala 9 está José Luis Anzizar mostrando sus trabajos bajo el título de Flying Colors. De manera directa nos muestra a través de collages coloridos el gran placer que siente por volar, una sensación que muchos de nosotros ya hemos perdido, quizás porque los vuelos nos parecen algo demasiado cotidiano. José Luis Anzizar intenta reavivar esa sensación de placer a través de un giño: ahí está su alter ego, la azafata Reina, que muy sonriente nos invita a abordar el avión. Frente a ella hay un inmensa visión casi abstracta de un plan de vuelos en la que el artista nos habla sobre viajes a Nueva York y Berlin.
Traducción de Marga Steinwasser

Den schmalen Saal 9 bespielt beispielsweise José Luis Anzizar mit Arbeiten unter dem Titel “Flying Colors”. Ohne Umschweife präsentiert er mit farbigen Collagen auf angestrichenen Stoffbahnen seine beinahe kindliche Begeisterung für das Fliegen - eine Empfindung, die vielen von uns über der Alltäglichkeit des Flugverkehrs vielleicht schon verlorengegangen ist. Wiederbelebungsversuche unternimmt augenzwinkernd Anzizars Alter Ego, die Stewardess “Reina”, die von einer der Arbeiten einladend auf den Betrachter herunterlächelt. Ihr gegenüber hängt die großformatige, abstrakte Version eines Streckenplans, in dem der Künstler Reisen nach New York und Berlin verarbeitet.
Centro Cultural Recoleta
Junín 1930
Dienstags bis freitags 14-21 Uhr
Samstag/Sonntag 10-21 Uhr
Eintritt frei

Aviones, por Sabrina Cuculiansky

2009-10-29T16:40:00.004-03:00

Revista La Nacion
Explorador
Por Sabrina Cuculiansky
Domingo 25 de Octubre de 2009

Las máquinas voladoras de Calder fueron la pasión e ilusión de José Luis Anzizar ya que los aviones son bjetos que le resultan liberadores. Actualmente presenta una gran muestra en el CCRecoleta ... ligada a su amor por el viaje: ... planos de aeropuertos y siluetas de aviones, todo en una paleta pastel de colores voladores, o Flying Colors, tal el nombre de la expo.
Sala 9
Junín 1930
CCRecoleta.

Montaje de Flying Colors | Anzizar en el Centro Cultural Recoleta

2009-10-19T22:26:00.015-03:00

Flying Colors
José Luis Anzizar
en el Centro Cultural Recoleta
20 de Octubre al 15 de Noviembre de 2009
Sala 9
Fotografías: Felicitas Armanini

Cuando tenía 14 años aproximadamente, José Luis Anzizar remaba, cada domingo, en un club de remo, en el Río Lujan. Mientras remaba, con más penas que entusiasmo, se evadía de los gritos del entrenador mirando el cielo y soñando con estar bien lejos. Cada domingo, también en forma rutinaria, surcaba el cielo un DC-8 de Braniff, llegando a Buenos Aires. Ver ese avión era liberador para Anzizar, quien soñaba con volar y trabajar a bordo de esos aviones, pintados por Alexander Calder. Gracias a Calder, Anzizar descubrió que el río no era lo suyo, y que era posible seguir el camino deseado, en lugar del impuesto. Flying Colors es una celebración al color, a la forma y a la fuerza con la que se materializan los deseos en tanto y en cuanto se los tenga.

Extracto del prólogo del catálogo de Daniel Molina:
Gran parte de la obra que José Luis realizó en esta década está estrechamente ligada a su amor por el viaje. A través de planos de aeropuertos, de siluetas de aviones, de una paleta de tonos pastel, de bordados sobre servilletas que sobraron del último vuelo, José Luis dibuja el contorno de su deseo: ser otro. Ese otro que ya profundamente es. Vestido de azafata, no se trasviste sino que se desnuda. Muestra -en carne propia- su cicatriz luminosa.

Nueve años de trabajo y mucha intuición, por Juan Calegari

2009-09-29T20:00:00.005-03:00

Nueve años de trabajo y mucha intuición.
Por Juan Calegari
Para ARS OMNIBUS

Fernando Entín - Un galerista en el centro de la escena
El don de sostener bajo una misma égida el oficio de actor, el culto por lo estético, la dirección de una galería de arte y que, además, todo junto dé un éxito comercial supone un largo y costoso aprendizaje personal. Fernando Entín resume esa figura, ese genio y nueve años de trabajo e intuición: justa amalgama que edificó a Elsi del Río, primero en la calle Arévalo y hoy, en Humboldt 1510, en el epicentro de Palermo Hollywood; un polo de arte, diseño, moda, hotelería boutique y gastronomía en un barrio clave de Buenos Aires, que hoy es sinónimo de "nueva cultura" para los menores de cuarenta años.

Como actor, Entín es un buen director de escena. Forma equipos (con asistente de producción y todo), porque sabe que sólo así se avanza y no le avergüenza pedir ayuda a profesionales y amigos, porque ese aporte humano enriquece su propia dimensión (de actor, claro). Otro secreto del oficio es "No forzar nada. Esto es como un maridaje entre el artista y yo, me tiene que pasar algo corporal, porque yo le doy mucha importancia a lo que me pasa a mí con una obra de arte. Si no, estamos perdidos", sintetiza él. "Yo siento la obra de un artista como propia, como lo haría un buen coleccionista", aclara sin tapujos. El nuevo espacio no tiene nada que ver con aquella vieja casona que lo albergó en un reciente pasado. Hoy, Elsi del Río encontró un concepto hipercontemporáneo en el flamante espacio de la sala, con una arquitectura minimalista (hay 5,40 metros del piso al techo), y un patio jardín interior en planta baja -donde reposa inquietante "Circulando", una sólida escultura en frágil mimbre del delta del río (como Elsi), del artista argentino Edgardo Madanes-, que permite jugar con otras técnicas y disciplinas del arte.

La trastienda y el estudio están en la planta alta de esta impecable caja blanca. Allí, Entín confiesa (perdón), comulga con el placer de un sueño cumplido: "Me fui entrenando para jugar en las ligas mayores, y para que un día se hable de Elsi como de una galería de culto", asegura. Culto que él mismo rinde a los artistas que, de jóvenes emergentes crecieron con la galería, hasta legitimarse en un mercado donde lo bueno y verdadero no tiene porqué estar de moda."Los artistas que forman parte de nuestro menú -destaca- presentan obra que se sustenta por sí misma, sin responder a tendencias de mercado o segmentaciones de edad". Por eso, la galería también se ha posicionado como un referente en el medio artístico local.

Una poética del no deseo
Algo así, pasa con las esculturas estructuras circulares de Madanes, que ocupan el nuevo espa
cio hasta el 31 de octubre, para celebrar la segunda fundación de Elsi. "Infinito" es la primera muestra de este autor en la galería, donde se advierte claramente el rescate del hacer, en la acción funcional del artesano manual, que a este gran artista del silencio y la espera le interesa afirmar desde la materia -mimbre y cuero-, hasta el lenguaje puro de lo inmaterial inmanente.
Sinceramente, Madanes no sabe a dónde va con sus manos y el entrelazo que trama desde el todo (el material que utiliza), hacia una nada, en la abstracción estructural de las línea (oriental), que significa, que no marca, que hunde sus raíces en la memoria, sin tiempo.

El recrea y ennoblece "la mística ancestral de hacerlo todo con las manos".Labor de pocos, ésta de sustraerse al camino de lo prefijado y preconceptual, porque como asegura el escultor: "No hay dos barillas iguales". Como tampoco habrá dos hombres idénticos, similares. Así la obra resulta una clara insistencia en la identidad: lento y orgánico camino del mapa del alma, que sólo se construye "explorando en el espacio del silencio poético". La mágica paradoja del arte que Madanes logra es activar un lenguaje simbólico -de manos, fibras y vetas milenarias- partiendo de un material muy simple, ligado a lo cotidiano.

Más que objetos sus obras son espacios para el espectador. Se sienten ahí, en la caja blanca de Elsi del Río, inevitables e inolvidables a la vista interior del público. Y a los ojos, que solo ven el habla (lo que dice la obra), sin magníficas palabras (en este caso, de sobra).Y, como canta la figura zen, nos atrevemos a decir: "Lento y torrentoso lenguaje de las aguas. Músculo de sed, la barilla de mimbre. Sonido del alma".

Alguna vez escribí que en el vértigo de lo estético, no hay obra de arte. Nada más aplicable a Madanes. Nada más artístico que el movimiento que sugiere la forma de estas obras que oculta la voluntad exasperada, que no hieren con el arco los sentidos, que imperan en la noble belleza del "en sí", y que sugieren un "estar", en la curva ascendente del espíritu.

Madanes toca el espacio de lo uno único. De lo indivisible, sin pasión, y sin fronteras; por fortuna, en paz con la línea que occidente marcó a veces, tan angular.El manifiesta en esta muestra, un arte inasible, total e indefinido, según y con acierto en lo infinito. Al fin, en Buenos Aires -en una galería- un artista sin deseo. Sin recursos retóricos. Sin acuerdo estético y sin siquiera disentir -tampoco- con la bicéfala academia occidental y judeo cristiana de verso alejandrino y tan fundamentalista, a la que pertenecemos casi todos, acá. Academia -quiérase o no-, a la que una obra esencial -latinoamericana- como la de este escultor, no pertenece. En sí, una obra sin cultismos ni ornamentos; que despeja, que auxilia hacia el círculo; que congrega en fuga; que figura hacia adentro: diversa, plural y unicordia.

Cae el telón y la tarde en la cuidad.
Se ve, se nota que al dueño de casa le da mucho placer lo que hace, y no hay frase que Fernando no culmine con una dosis de humor. Es un optimista nato, que avanza -sin culpa- en un mundo (y un medio) donde a veces abundan las caras largas y los autoflagelados, también del arte. Su galería es "su chiche"; su gran juego hedonista. Una especie de obra de teatro que se escribe todos los días, y donde el tono de vital entusiasmo es parte importante del montaje que el director trasmite a la escena pública.

Su faceta histriónica viene dando rienda suelta a mis últimas preguntas. Un signo astral: el profundo y tajante (y generoso) escorpión. Un libro de cabecera: Los 7 días en el Arte, de Sarah Thornton. Una música preferida: cálida y sensual brasileña. Un autor teatral: Eduardo Tato Pavlovky (un grande). Un vino: rojo malbec con añada, pasado por barrica. Una comida: los arroces, todos!!. Humeante arroz azafranado, con pollo (de campo), claro!!. De pies a cabeza, un clásico porteño, no?

FLYING COLORS | ANZIZAR en el Centro Cultural Recoleta

2009-09-28T13:05:00.008-03:00

FLYINGCOLORS
ANZIZAR en el Centro Cultural Recoleta
Martes 20 de Octubre 19:00 hs.
Junín 1930 Sala 9 Buenos Aires Argentina

Cuando tenía 14 años aproximadamente, José Luis Anzizar remaba, cada domingo, en un club del Río Lujan. Mientras remaba, sin entusiasmo, se evadía de los gritos del entrenador mirando el cielo y soñando con estar lejos. Cada domingo, también en forma rutinaria, surcaba el cielo un DC-8 de Braniff, llegando a Buenos Aires. Ver el avión era liberador para Anzizar. El soñaba con volar y trabajar a bordo de esos aviones, pintados por Alexander Calder. Gracias a Calder, Anzizar descubrió que el río no era lo suyo, y que era posible seguir el camino deseado, en lugar del impuesto. Flying Colors es una celebración al color, a la forma y a la fuerza con la que se materializan los deseos en tanto y en cuanto se los tenga.

Gran parte de la obra que Anzizar realizó en esta década está estrechamente ligada a su amor por el viaje. A través de planos de aeropuertos, de siluetas de aviones, de una paleta de tonos pastel, de bordados sobre servilletas que sobraron del último vuelo, José Luis dibuja el contorno de su deseo: ser otro. Ese otro que ya profundamente es. Vestido de azafata, no se trasviste sino que se desnuda. Muestra -en carne propia- su cicatriz luminosa.
Daniel Molina (extracto del prólogo).

Junín 1930 - Buenos Aires - Argentina
Lunes/Viernes 14 a 21hs.
Sáb/Dom/Feriados 10 a 21hs.
(+54 11) 4803 1040

Gritos y susurros

2009-09-27T11:34:00.002-03:00

Lousteau y el arte
Crece el interés del ex ministro Martín Lousteau por el arte contemporáneo. Habitué del ruedo palermitano, se lo vio muy entusiasmado con la obra de Edgardo Madanes en el nuevo espacio de Elsi del Río, en la calle Humboldt. En un abrir y cerrar de ojos, Madanes vendió tres obras.

Fue una noche inolvidable para Fernando Entin, dueño de la galería, contento de haberse afincado en un edificio que es tierra de arquitectos. No faltó el dancing musicalizado por Dañel Mirkin Frois, oportunidad para que la galerista Florencia Braga Menéndez luciera sus pasos, con la misma enjundia que aplica a su cargo de directora de Museos de la Ciudad.

Allí estuvieron para celebrar la inauguración: Teresa Anchorena, Marina Pellegrini, Orly Benzacar, Teresa Frías, Marta Fernández, Facundo Gómez Minujin, Felisa Larivière, Celina Saubidet y su marido Urko Suaya, figuras consagradas en las páginas del magazine Galera.

La Nación ADN Cultura

Sábado 26 de Septiembre de 2009

Form gewordene Poesie, von Susanne Franz

2009-09-27T11:24:00.003-03:00

Skulpturenausstellung “Infinito” von Edgardo Madanes
bei Elsi del Río
Von Susanne Franz
Sábado 19 de Septiembre de 2009
Kunst in Argentinien
www.kunstinargentinien.com

Die Arbeit mit den Händen erlaubt ihm das Denken, das Meditieren. In der Stille spürt er den unmittelbaren Kontakt mit seinem Werk. In seinen Gedanken nimmt es Gestalt an; das handwerkliche Tun - das Biegen, Flechten, Verknüpfen - lenkt wiederum seine Gedanken. Das Manuelle wird zum Spirituellen und umgekehrt: Aus diesem Prozess, dem Dialog zwischen Händen und Kopf, entsteht das Werk von Edgardo Madanes.

Er nimmt dafür von dem, was die Natur reichlich zu bieten hat: Madanes arbeitet mit Weidenruten aus dem Tigre-Delta. Einmal im Jahr müssen diese geschnitten werden, damit die Weiden wieder wachsen können - und nach jedem Schneiden wachsen mehr Triebe als zuvor. Die Gewinnung des natürlichen Materials, das der Künstler verwendet, zerstört somit kein kostbares Naturgut, sondern multipliziert Leben.

Kein Geringerer als der ehemalige Präsident und Vorreiter des argentinischen Bildungswesens Domingo Faustino Sarmiento (1811-1888) siedelte die Weide im Tigre-Delta an; die Korbflechterei wurde hier zuerst von europäischen Einwanderern betrieben und ist bis heute ein wichtiger Geschäftszweig der Insulaner des Deltas.

Der Künstler und Kunstdozent Edgardo Madanes arbeitete als Schüler des renommierten Bildhauers Juan Carlos Distéfano zunächst in dessen Tradition mit Polyestermasse, aus der er Pflanzen und Phantasie-Tiergestalten modellierte. Die Bilder stammten aus dem Tigre-Delta, wo der Porteño seit seiner frühen Jugend rudert und seine Freizeit verbringt. Die eher zufällige Entdeckung “seines” Materials war wie eine logische Konsequenz: “Erst holte ich von dem Ort, der mir innere Nahrung gibt, meine Bilder, jetzt schneide ich im übertragenen Sinne mein Material aus ihm heraus.” Ungefähr im Jahr 1990 geschah dies, und die Liebe und Faszination für seinen Werkstoff ist bis heute geblieben - wobei Madanes strikte Auswahlkriterien hat, wenn es dazu kommt, “wer” in sein Werk aufgenommen wird.

Jede einzelne der zwei bis vier Meter langen Weidenruten, die er verwendet, “hat etwas zu erzählen”, sagt er; trotz der großen Ähnlichkeit, die alle miteinander haben, sei jede ein Individuum. Madanes wählt die, die er für sein Werk haben will, mit Bedacht aus. Bewusst “marginalisiert” er diejenigen, die nicht in das Gefüge passen. “Meine Konstruktion des Werks ist eine soziale Konstruktion”, betont er, und macht damit verständlich, warum seine Werke wie Lebewesen wirken - oder eher wie Lebenssysteme, in denen das Individuum dem größeren Ganzen untergeordnet ist - wobei es aber gleichzeitig unabdingbarer Teil des Ganzen ist.

Madanes, der seine Werke nur selten, in Abständen von vielen Jahren, der Öffentlichkeit präsentiert, schuf mit seinem neuen Material zunächst netzartige Skulpturen (“Redes”), die er Mitte der 1990er Jahre vorstellte. Er komponierte eine Welt, die die des Tigre-Deltas widerspiegelte, “und da herrschen ganz andere Mechanismen des Überlebens als in der Stadt”, sagt er. Viele Dinge sind “aufgehängt” (Boote etc.) oder stehen auf Stöcken, alles schwimmt oder treibt im Wasser - “diese Schaukelbewegung des Wassers beherrscht irgendwie alles”.
Das Schwimmen und das Ankern als wichtige Grund-Elemente im Leben des Deltas flossen in Madanes’ Raum-Installation “Presente” ein, die er im Jahr 2001 im Centro Cultural Recoleta zeigte. An dicken Kabeln hingen von der Decke große, tropfenförmige, aus Weidenruten geflochtene Netze, die an schweren Granitblöcken am Boden verankert waren. Eine ungeheure Spannung entstand in diesem unwirklichen Raum aus der Tatsache, dass diese anscheinend doch leichten Flecht-Objekte mit solch extremen Gewichten am Boden gehalten werden mussten. Das Gewicht der Netze resultierte für Madanes aus der Leere in ihrem Inneren.

Edgardo Madanes’ jüngste Ausstellung “Infinito”, mit der am Montagabend die Galerie Elsi del Río in Palermo ihren neuen Sitz einweihte, zeigt den Künstler auf einem neuen Höhepunkt seiner künstlerischen Laufbahn. Hatten seine “Netzwerke” bislang eine Komponente der sozialen Reflexion, sind nun Introspektion und “ein Bedürfnis in mir, zur Ruhe zu kommen” an diese Stelle getreten. “Es ist, als ob der Redefluss versiegt sei”, sagt der Künstler, “an seine Stelle tritt nun Poesie, die Form angenommen hat” - die Form seiner Werke.
Madanes’ “Zeichnungen im Raum” sind reine Bewegung, “ein Tanz, den ich im Raum erschaffe”, sagt der Künstler. Mit einer einzigen unendlichen Linie entführt Madanes auch den Blick des Betrachters in den unendlichen Raum. “Wenn mein Werk früher eher die Bewegung des Wassers widerspiegelte, ist es heute das Schweben im Raum”, beschreibt Madanes den stärkeren Bezug zum Kosmischen, den sein Werk heute hat.

Das nächste Ziel sind riesige Formate, auch eine Ausstellungsfläche dafür ist für diesen Sommer schon in Sicht: Die Direktorin des schönen “Museo de Arte de Tigre” (MAT), Diana Saiegh, hat die Museumsgärten dafür in Aussicht gestellt. Könnte es einen besseren Ort geben? Außerdem verhandelt Edgardo Madanes’ Galerist Fernando Entín von Elsi del Río mit einer Galerie in Sao Paulo.

Zunächst aber ist die Ausstellung “Infinito” bei Elsi del Río (Humboldt 1510) noch bis zum 31. Oktober zu sehen, dienstags bis freitags von 14-20, samstags von 11-15 Uhr. An den 5,40 Meter hohen Wänden der neuen Galerie sind die Werke Madanes’ sparsam montiert, und die Schatten, die sie dank der raffinierten Beleuchtung werfen, heben ihre Dramatik und konzentrierte Energie noch stärker hervor.

Anlässlich der “Semana del Arte” in der kommenden Woche ist bei Elsi del Río für den 23. September, an dem in Palermo die “Gallery Night” stattfindet, um 20 Uhr ein Klavierkonzert geplant, in dessen Rahmen Norma Lado die “Gymnopédie” von Erik Satie spielt.

NICO SARA, 1er. Premio Bienal AAGA 2009

2009-09-21T18:43:00.002-03:00

Imperdible muestra de Madanes

2009-09-17T23:33:00.005-03:00

Imperdible muestra de Madanes
Por: Laura Feinsilber
Ambito Financiero
Edición impresa
Viernes 18 de septiembre de 2009

Edgardo Madanes, artista que ostenta lo más importantes premios del país en la disciplina Escultura, es el invitado para celebrar la inauguración del nuevo espacio especialmente diseñado al que acaba de mudarse la Galería Elsi del Río, en Humboldt 1510.

Las esculturas circulares de Madanes, realizadas con mimbre y cuero entre 2007-2009 pueden ser calificadas como orgánicas y geométricas, de bulto, sin embargo, transparentes, elegantes, reveladoras de una gran artesanía manual. De esta manera Madanes rinde homenaje a la tradición de la cestería y según cuenta, ha asistido a la labor de los artesanos del Tigre, lugar de donde proviene el material con el que virtuosa y literalmente «dibuja» sus esculturas. También nos recuerda que Sarmiento trajo de Chile la primera varilla para poder plantarla en el Delta para la producción de cestos y comercialización de frutos.

Líneas circulares que se entrecruzan, abstracciones que pueden funcionar apoyadas o suspendidas en el cubo blanco y otras disparadoras de formas como «Circulando», que se exhibe en el pequeño patio jardín destinado a esta disciplina de la planta baja. Aquí el artista se permite ciertos floreos con el material enfatizando el hecho de que se pueden recobrar las posibilidades creativas en una sociedad globalizada donde reina la tecnología. Sin duda hay mucho de la estética taoísta en la actitud de Madanes ya que parece estar consustanciado con el significado interno del material al confesar que cuando trabaja, «mojo, corto, doblo, ato; cada acción, cada sonido construyen un espacio nuevo. cuando todo se aquieta sólo vuelvo a escuchar mi respiración».

La obra de Madanes es sobresaliente, se la puede mirar una y otra vez, no necesita sorprender, causa una quieta impresión en el que la observa.
Clausura el 31 de octubre.

2º Muestra AMIA de Arte Contemporáneo Argentino

2009-09-17T13:57:00.005-03:00

2º Muestra y Subasta AMIA de Arte Contemporáneo Argentino.
Exhibición de obras: 1 al 14 de Octubre
Espacio de Arte AMIA Pasteur 633
Subasta: 15 de Octubre
Auditorio MALBA Figueroa Alcorta 3415

El arte invadirá las calles porteñas durante siete días

2009-09-17T13:46:00.003-03:00

Una semana con la cultura / Por sexto año consecutivo
El arte invadirá las calles porteñas durante siete días
El domingo comenzará el ciclo con un concierto al aire libre, frente al Obelisco

Jueves 17 de setiembre de 2009 Publicado en edición impresa
Cnthia Palacios
LA NACION

Galerías abiertas, música, visitas guiadas, conferencias, dibujos, pinturas. Arte y más arte. Puertas afuera, en las calles y para todos, el próximo domingo comenzará la Semana del Arte, con un concierto al aire libre.

Por sexto año consecutivo, un centenar de galerías, centros culturales y museos serán los anfitriones de la expresión artística más importante de la Argentina, consolidada en el calendario cultural de los porteños.

Organizada por la editorial Arte al Día, adn cultura y el Ministerio de Cultura de la ciudad, esta nueva edición de la Semana del Arte cuenta con el apoyo de la Fundación YPF y el Banco Itaú. Ayer se realizó el lanzamiento, en el Museo de Arte Hispanoamericano Fernández Blanco. Todas son libres y gratuitas.

El ciclo se inaugurará el domingo a las 16, en el Obelisco, con el concierto de Javier Malosetti y su banda Electrohope, junto con la presentación de Voxpop-Acapella Band. Será el primer paso de una semana plena de actividades vinculadas con las artes plásticas.

En la presentación, el ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, calificó el acontecimiento de "irreverente y transgresor" por "sacar el arte a la calle, en los lugares convencionales y en los que no lo son". Para él, la posibilidad de que el arte gane la calle y pueda ser disfrutado por personas que habitualmente no se acercan a los lugares tradicionales es una de las principales ventajas.

La oportunidad de que la gestión pública se pueda complementar con la privada es, para Lombardi, otro de los grandes atractivos de este encuentro. "El futuro de la Argentina está en que podamos ponernos objetivos comunes y este acontecimiento es un ejemplo democrático", destacó el vicepresidente de la Fundación YPF, Ezequiel Eskenazi. "Sacar el arte a la calle, con acceso para todos... de eso se trata tener una Argentina más justa", agregó.

El director ejecutivo de la Semana del Arte y titular de la editorial Arte al Día, Gastón Deleau, destacó la relación que se da entre lo público y lo privado. "Es un buen ejemplo de que se puede cuando hay un buen fin", dijo.

Accesible para todos
Luego de su desarrollo en Puerto Rico y en Lima, donde se realizaron encuentros similares en varias oportunidades, esta edición será el undécimo encuentro internacional.

El presidente de la Asociación Argentina de Galerías de Arte, Fernando Entín; la directora de la galería Rubbers, Mariana Povarché; el director de Colección Alvear de Zurbarán, Carlos María Pinasco; la directora del festival Lima Sonora, la peruana Eliana Galarza Rivera y la artista Dalila Puzzovio estuvieron presentes en el lanzamiento de la convocatoria. El titular de la Fundación Itaú, José Pagés, señaló que su entidad busca democratizar la cultura: "Hacerla accesible al común de la gente y dar la oportunidad a artistas emergentes".

Cada uno de los siete días de la Semana del Arte tiene un atractivo especial. Todos los días, a las 16, habrá visitas guiadas por todos los circuitos (Retiro y Recoleta, Centro y Plaza San Martín, San Telmo, Palermo Viejo, Barrio Norte y Belgrano). El lunes se inaugurará el Festival Lima Sonora 2009, en el Centro Cultural Recoleta. De miércoles a viernes habrá distintos Gallery Nights que recorrerán los circuitos antes mencionados.
La programación puede consultarse en http://www.lasemanadelarte.com.ar/ .

El encuentro concluirá el sábado con un festival de dibujo para chicos, auspiciado por BIC Kids. "La Avenida de Mayo es cortada muchas veces -ironizó Lombardi-. Que se corte para realizar este festival es una metáfora de la recuperación del espacio público y de la Argentina que uno sueña, en la que el arte y la cultura para la niñez corte las calles."

Opening de la nueva ELSI DEL RIO | Lunes 14 de septiembre

2009-09-17T00:30:00.013-03:00

Con el mimbre como protagonista, Madanes presenta su muestra “Infinito"

2009-09-16T13:07:00.003-03:00

ARTES PLASTICAS
Con el mimbre como protagonista, Madanes presenta su muestra “Infinito"
Inauguró su exposición en ELSI DEL RIO.

Por Nanu Zalazar
Como buen escultor, la preocupación de Edgardo Madanes es el espacio. Sin embargo, este artista no lo llena: el exterior dialoga con el interior, hay aire, la estructura se vuelve liviana, casi etérea. Como gigantescas cintas de Moebius, las formas circulares se esconden y vuelven a surgir, una y otra vez, como un sin fin. Sucede que Madanes trabaja con mimbre. Y es interesante el juego que las obras producen sobre el suelo o la pared. El artista demuestra que es posible disfrutar de las líneas y los puntos cuando son aún más livianos que las propias obras.

Desde los años ’90 Madanes trabaja con este material, seducido por su sencillez y humildad. Le parece mágica la relación del mimbre, que cuando es cortado crece más, sin que medie un proceso industrial, y su uso no produce una degradación de la naturaleza. Lo considera un material silencioso y las esculturas surgen después de estados de meditación que logra con la ayuda del yoga. Si bien comienza con una idea, es el material el que lo lleva a las formas finales. El mimbre, de apariencia cálida por su color y textura, en un principio cuando es cortado es de un amarillo intenso. Cuando lo pela y lo sumerge en agua hirviendo, para sacarle la cáscara, el mimbre toma un color parecido a una madera clara, pero si permanece más tiempo en agua caliente se vuelve negro: en estas dos variantes de color trabaja Madanes. Inaugurando nueva casa, la prestigiosa galería ELSI DEL RÍO presenta la obra de Madanes, ganador de Primer Premio Nacional de Escultura 2008, Primer Premio Municipal Manuel Belgrano 2006 y Primer Premio de Arte Textil 2002, entre otras menciones.

ELSI DEL RÍO queda en Humboldt 1510, en Palermo Hollywood, y la muestra estará abierta hasta el 31 de octubre.
www.carton-pintado.blogspot.com
Martes 15 de Septiembre de 2009 16:00

Inauguró ELSI | Dañel Mirkin Frois hizo Soundguches Kosher

2009-09-15T07:50:00.002-03:00

ELSI DEL RIO en nuevo espacio, por ARS Omnibus

2009-09-13T13:11:00.014-03:00

“Alegría. Nos mudamos. Festejemos”.
ELSI DEL RIO en nuevo espacio.
El viernes al mediodía y bajo la consigna ´Alegría. Nos mudamos. Festejemos´. Fernando Entín, director de Arte Contemporáneo, ´Elsi Del Río´ presentó ante galeristas, un selecto grupo de amigos y la prensa de Buenos Aires su nuevo espacio, inaugurado en Humboldt 1510, Palermo Hollywood, con la muestra que el escultor Edgardo Madanes tituló ´Infinito´.

Son una serie de trabajos realizados en mimbre, del delta del río Paraná, que abre al público porteño el lunes 14 de setiembre a las 19 hs.La perla: a las 13 hs. de Buenos Aires, Entín vendió en tiempo record, la primera obra del artista Madanes a un coleccionista de Nueva York.
Festejo a pleno!!
ARSOmnibus
Arte en la web
Newsletter 115
14.09.2009

ELSI DEL RIO inaugura nueva casa

2009-09-13T10:44:00.005-03:00

Edgardo Madanes en ELSI DEL RIO

2009-09-11T18:29:00.005-03:00

Edgardo Madanes, 2009 Infinito
Esculturas circulares en mimbre - 2007 y 2009
Trabajo en silencio profundo, solo escucho mi respiración, el aire infla mis pulmones. Espacio y silencio se expanden sin límites. Perdido, felizmente perdido busco un camino que desconozco. Estoy flotando en la nada. Balbuceo pequeños movimientos y en ese instante me encuentro, estoy aquí. Me descubro suspendido en la inmensidad del vacío. Un punto, solo uno es suficiente guía para comenzar un sendero. Doy un paso y ya no se donde estoy. Abandone la nada y ahora percibo el latido del corazón. Avanzo una vez mas por un camino desconocido. En el fondo, allá por los lugares mas oscuros reconozco una danza ancestral. Siento que mi cuerpo ocupa su lugar en el espacio. Apoyo mis pies con mas firmeza, el deseo señala el rumbo. La mente recorre el vacío con una línea, dibuja orbitas alrededor de un punto, crea una trama y gesta un volumen. Mojo, corto, doblo, ato; cada acción, cada sonido construyen un espacio nuevo. Y al final cuando todo se aquieta y el camino fue transitado solo vuelvo a escuchar mi respiración.

Sobre Edgardo Madanes
-Profesor titular de la Cátedra Proyectual de Escultura del Instituto Universitario Nacional del Arte (Buenos Aires). Primer Premio Nacional de Escultura, 2008.
-Primer Premio de Escultura Salón Municipal Manuel Belgrano (Buenos Aires), 2006.
-Participó en "Forest Art" (Wisconsin, USA, 2007 y Damstadt, Alemania, 2006).
-En 2001 realizó la muestra "Presente" en el Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires).
- Esta es su primera muestra en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo.

E L S I D E L R I O.COM.AR

2009-08-19T19:32:00.002-03:00

Alegria. Nos mudamos!

2009-08-18T19:58:00.005-03:00

Humboldt 1510 (entre Cabrera y Gorriti)
Palermo Hollywood
Buenos Aires
Argentina

Alegria. Nos mudamos. Festejemos.

2009-08-13T22:42:00.003-03:00

Estamos montando la nueva ELSI DEL RIO

2009-08-06T19:23:00.003-03:00

Humboldt 1510
(entre Cabrera y Gorriti)
El mismo barrio.
La misma pasión.
En Septiembre de 2009!

El mismo barrio. La misma pasión.

2009-07-21T23:00:00.001-03:00

ELSI DEL RIO en arteBA'09

2009-05-30T12:38:00.003-03:00

ELSI DEL RIO en arteBA'09 - Montaje y Desmontaje

2009-05-30T12:19:00.008-03:00

ELSI DEL RIO en arteBA'09 - Celina Saubidet

2009-05-30T12:17:00.002-03:00

ELSI DEL RIO en arteBA'09 - Mariana Vidal

2009-05-30T12:14:00.001-03:00